Urbino Musica Antica
18 – 27 luglio 2009
18 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’onore di Palazzo Ducale
LA FORTUNA – La dama con l’ermellino
Balletto-pantomima ispirato al celebre dipinto di Leonardo
CRACOVIA DANZA COURT BALLET
Pawel Winsczyk, direzione
Romana Agnel, coreografia e regia
Barbara Sparti, ricostruzione coreografie quattrocentesche
The Ars Cantus Early Music Ensemble
Milena Dobroc, liuto
Tomasz Dobrzanski, flauto, bombarda, mandora, direttore musicale
Marek Nahajowski, flauto, bombarda
Anna Sliwa, viella
Monika Wieczorkowska, cantante
Marek Zwirdowski, trombone
I. Prologo
Mariotto da Perugia Balletto La Fortuna
II. Cecilia e Lodovico
Anonimo Canzona O gratiosa viola mia gentile dal ms. Escorial IV. a. 24
Giuseppe Giamberti Ballo di Mantova
Domenico da Piacenza Ballo Figlia Guglielmina, Ballo Rostiboli
Gioioso, Ballo Tessara
Anonimo Canzona Mirando el gran splendor e l'honestade dal ms. Escorial
IV. a. 2
Anonimo Saltarello 4
Francesco di Giorgio Ballo Tangeloso
III. Il fidanzamento
Heinrich Isaac Bassedanza La Spagna / Falla con Misura
Anonimo Tenta Aluora
IV. Beatrice e Lodovico
Joan Ambrosio Dalza Piva
Domenico da Piacenza Ballo Rostiboli Gioioso
Guglielmo Ebreo Bassadanza Patientia, Ballo Colonese
Anonimo Bassadanza Ninfe
Joan Ambrosio Dalza Moresca Calata ala Spagnola
Hans Neusiedler Moresca Der Judentanz
Gugliemo Ebreo Ballo Voltati in ça rosina
Guglielmo Ebreo Amoroso da De practica seu arte tripudii
Johannes Martini ) Canzona Fortuna Desperata
19 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
NUPTIAE FACTAE SUNT
Musica ad Urbino al tempo di Raffaello
Brani scelti dal Medici Codex 1518, libro corale di mottetti dedicato a
Lorenzo de’ Medici Duca di Urbino
ENSEMBLE BELLA GERIT
Simone Sorini, tenore, liuto
Enea Sorini, baritono
Angelo Bonazzoli, controtenore
Mauro Borgioni, basso
David Monacchi, tenor
David Yacus, trombone
Wilem Peerik, organo
Bartolomeo Tromboncino Vergine bella che di sol vestita*
Elimot Nuptiae factae sunt
Johannes de la Fage Elisabeth Zachariae
Marco Antonio Cavazzoni O Stella Maris**
Josquin Des Pretz Nymphes des bois
Adrian Willaert Virgo Gloriosa
Andreas De Silva In illo tempore
Jean Richafort Veni sponsa Christi
Andreas De Silva Tota pulchra
Antoine Brumel Sicut lilium
Marco Antonio Cavazzoni Salve Virgo**
Pierre Moulu Vulnerasti cor meum
Jacotin Rogamus te Virgo Maria
Marchetto Cara Crudel fugge se sai*
Lupus Esto nobis Domine
Jean Mouton Nesciens mater virgo virum
Tutti i brani, eccetto dove diversamente indicato, sono tratti dal Medici
Codex 1518.
* Frottole intabulate da sonare Organi - Andrea Antico, 1517
** Recerchari, mottetti, canzoni - Libro primo, 1523
20 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
LE CITTÀ INVISIBILI
Un programma letterario-musicale basato sul romanzo di Italo Calvino
GERD LÜNEBÜRGER, flauto dolce
Alessandro Ratoci, regia del suono
Dario Tacconelli, voce recitante italiana
David Sargeant, voce recitante inglese
interludi musicali di Alessandro Ratoci
Introduzione (prologo)
Roderik de Man (1941) Kage
per flauto dolce Ganassi e CD (2000)
Le città e il nome: Leandra
Emanuele Casale (1974) Studio 2a
per flauto dolce basso e CD (2000)
Le città sottili: Armilla
Gabriele Manca (1957) Secondo congegno del sole passante
per flauto dolce soprano, elettronica dal vivo e CD (1994)
Le città e gli occhi: Valdrada
Alex Arteaga (1969) Témenos
per flauto dolce basso e CD (1996)
Le città e i segni: Zirma
Agostino di Scipio (1962) Quattro variazioni sul ritmo del vento
per flauto dolce contrabbasso e CD (1995)
Le città nascoste: Teodora
Staffan Mossenmark (1961) No Mercy
per flauto dolce tenore, elettronica dal vivo e CD (1991)
Le città e la memoria: Isidora (epilogo)
21 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
LES TRES RICHES HEURES DU DUC DE BERRY
Composizioni tratte dal Codice Chantilly (1380 - 1410)
ENSEMBLE TETRAKTYS
Zsuzsi Tòth, soprano
Marta Graziolino, arpa
Silvia Tecardi, viella
Kees Boeke, viella, flauto, direzione
Solage S'aincy estoit (ballade)
Anonimo Un Crible plein d'eaue (virelai)
Antonello da Caserta Je ne puis avoir plaisir (virelai)
Anonimo Bobik Blazen (virelai, strumentale)
Trebor Quant joyne cuer (ballade)
* * *
Franciscus Andrieu De Narcissus (ballade)
Galiot Se vos ne voles (rondeau)
Franciscus Andrieu Phiton, (ballade)
22 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
LE PETIT CONCERT BAROQUE
CHANI e NADJA LESAULNIER
duo di clavicembali
Johann Sebastian Bach
Coro Freue dich, erlöste Schar
(da: Freue dich, erlöste Schar, Cantata BWV 30)
Sinfonia Adagio assai,
da Ich hatte viel Bekümmernis, Cantata BWV 21
Triosonata per Organo n°6, BWV 530.
Vivace, Lento, Allegro
Aria per tenore Der Ewigkeit saphirnes Haus
(da: Laß, Fürstin, laß noch einen Strahl”, Cantata BWV 198)
Corale Wohl mir, daß ich Jesum habe
(da: Herz und Mund und Tat und Leben, Cantata BWV 147)
***
Concerto Brandeburghese n°6, BWV 1051.
[Allegro], Adagio ma non tanto, Allegro
Sinfonia, Adagio assai
(da: Weinen, Klagen, Sorgen, Zagen, Cantata BWV 12)
Corale per organo Ich ruf' zu dir, Herr Jesu Christ, BWV 639.
Contrapunctus BWV 1080/18 n°2.
Corale per organo Meine Seele erhebet Den Herren, BWV 648.
Aria für Bass Siehe, ich will viel Fischer aussenden
(da: Siehe, ich will viel Fischer aussenden, Cantata BWV 88)
23 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Chiesa di San Francesco
LIUWE TAMMINGA organo
Claudio Veggio
Recercada del primo tono per b quadro
Recercada del primo tono per b molle
Recercada per bequadro del quarto tono
(dai manoscritti di Castell’Arquato)
Jacopo Fogliano
Due Ricercari
(dai manoscritti di Castell’Arquato)
Giulio Segni
Ricercari VI e IX (da Musica Nova, 1540)
Marc’Antonio Cavazzoni
Madame vous avez mon coeur
Giovanni Battista Ferrini
Partite sopra il Ballo di Mantova
Bernardo Pasquini
Toccata in re minore
Variazioni in sol minore
Sonata in do maggiore
Anonimo
Ballo di Mantova
24 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
PAUL O’ DETTE liuto
Joan Ambrosio Dalza
Pavana alla venetiana, Saltarello, Piva
Alberto Ripa da Mantova
Fantasie XXII
Or vien ça vien mamie Perrette (Jannequin)
Fantasie VII
O passi sparsi (Festa)
Marco da L'Aquila
Ricercar (34) - Cara Cossa N° 5
Ricercar (6) - Il est bel e bon (Passereau)
Francesco da Milano
Fantasia 28 - Fantasia 8
Fantasia 3 - Fantasia (App. 31)
Vignon vignetta (Claudin de Sermisy)
* * *
Marco da L'Aquila
Ricercar (33) - Saltarello La traditora n°2
Ricercar (58) - Nous bergiers (Jannequin)
Cara Cossa No 10 - Fantasia (9)
Pioverin - Il Marchese di Saluzzo
Saltarello La Traditora n°3
Francesco da Milano
O bone Jesu (Antonio de Ribera) - Fantasia (38)
Fantasia (64) - Tu discois que je mourroye (Claudin de Sermisy)
Fantasia (33) e la sua compagna (34)
25 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
“Singing Wind”
GEMMA BERTAGNOLLI, soprano
ENSEMBLE ZEFIRO
Alfredo Bernardini, oboe
Alberto Grazzi, fagotto
Evangelina Mascardi, tiorba
Luca Guglielmi, cembalo e organo
Georg Friedrich Haendel
Sonata in fa magg. per oboe e b.c.
Adagio - Allegro - Largo - Bourrée - Minuetto
Agostino.Steffani
Cantata Spezza Amor l’arco dagli Scherzi musicali per soprano, oboe, fagotto
e b.c.
Aria, Recitativo, Aria, Recitativo, Aria
Giovanni Benedetto Platti
Trio in do min. for oboe, fagotto e b.c.
Adagio - [Allegro] - [Largo] - [Allegro]
Francesco Mancini
Cantata Quant'è dolce quell'ardore per soprano, oboe e b.c.
Largo - Recitativo - Allegro
* * *
Georg Philipp Telemann
Sonata in fa min. per fagotto e b.c.
Triste - Allegro - Andante - Vivace
Giovanni Benedetto Platti
Sonata in Do Maggiore (Torrefranca XIV)
Allegro - Andantino - Allegro
Georg Friedrich Händel
Cantata Mi palpita il cor HWV 132/b per soprano, oboe e b.c.
Recitativo accompagnato/Recitativo, Aria, Recitativo, Aria
26 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo
SCARLATTI IN JAZZ
ENRICO PIERANUNZI suona Domenico Scarlatti
suggestioni ed improvvisazioni
Domenico Scarlatti, Sonate K 531, K 492, K 9, K 159
27 Luglio 2009 – ore 21.15
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo
ORCHESTRA FIMA
Luca Guglielmi, direttore
Concerto dell’Orchestra del XLI Corso di Musica Antica di Urbino
Antonio Vivaldi
Sinfonia avanti l’opera “Ottone in Villa”
Allegro - Larghetto - [Minuetto]
Nicola Porpora
De Profundis (1744)
Salmo CXXIX per coro, archi e basso continuo
I. De Profundis - IV. Quia apud te - VIII. Gloria Patri - IX. Sicut erat
Johann Friedrich Fasch
Ouverture in mi minore
per 2 traversieri, 2 oboi, archi e basso continuo
Ouverture - Aria - Bourrée - Aria - Gavotte - Menuet I/II
Joseph Haydn
Sinfonia in Sol maggiore Hob.I:27
Allegro molto - Siciliano: Andante - Finale: Presto
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41°edizione Festival Urbino Musica Antica
18 - 27 luglio 2009
Rinascimento, Barocco e il “ricercare”
jazz di Enrico Pieranunzi
Ritorna l’appuntamento con il prestigioso Festival internazionale: concerti,
balletto, corsi di perfezionamento, una tavola rotonda e una mostra di
strumenti antichi nella bella cittadina marchigiana
Si inaugura il 18 luglio ‘Urbino Musica Antica’, il Festival musicale
internazionale organizzato dalla FIMA (Fondazione Italiana per la Musica
Antica) nella splendida cornice della città marchigiana patrimonio
dell’Unesco - uno dei centri più belli e intatti del Rinascimento - e che
quest’anno ha in programma concerti che spaziano dalla musica rinascimentale
alle improvvisazioni jazz di Enrico Pieranunzi. Con l’edizione 2009, sempre
ideata da Claudio Rufa, si vuole proporre una manifestazione che aggiungerà
alla tradizione ormai consolidata alcuni elementi di novità: oltre ai
concerti, infatti, il cartellone prevede anche appuntamenti con la danza e
con la letteratura.
Il Festival coinvolge con le sue manifestazioni tutta la città fino al 27
luglio: un atteso appuntamento, un punto di incontro e momento di confronto
tra musicisti di tutto il mondo. Urbino si immerge in un’atmosfera magica
dove la musica è protagonista assoluta: corsi, concerti e una mostra di
strumenti antichi saranno al centro di un’intensa settimana che convoglierà
centinaia di musicisti e appassionati per frequentare le lezioni di canto,
musica medievale, rinascimentale e barocca e per seguire gli spettacoli in
programma. I concerti si svolgono in ambienti unici e suggestivi come il
cortile d’onore del Palazzo Ducale, capolavoro dell’architetto dalmata
Luciano Laurana.
Il Festival è organizzato con il patrocinio del Ministero per i Beni e le
Attività Culturali, della Regione Marche della Provincia di Pesaro e Urbino,
del Centro Provinciale Promozione Beni Culturali, e della Commissione
Nazionale Italiana UNESCO e promosso dalla Città di Urbino - Assessorato
Cultura e Turismo.
IL FESTIVAL
La 41° edizione di Urbino Musica Antica si presenta con un ricco programma
che si articola secondo tre indirizzi: la MUSICA RINASCIMENTALE, quella
BAROCCA e la MUSICA DI OGGI.
La MUSICA RINASCIMENTALE è fortemente rappresentata in almeno quattro
programmi, a cominciare da quello inaugurale. Il 18 luglio il gruppo di
danza antica Cracovia Danza Court Ballet, unico ensemble professionale di
danza storica in Polonia e per la prima volta in Italia, apre il festival
con una serata di danza rinascimentale in costume. Le musiche saranno
eseguite dal gruppo Ars Cantus, mentre la ricostruzione delle coreografie è
di Barbara Sparti. Il tema delle alterne vicende della fortuna fa da filo
conduttore nella storia che costituisce l’ossatura dello spettacolo,
ambientato a Milano alla corte di Ludovico il Moro e che vede come
antagoniste Beatrice d’Este, moglie legittima di Ludovico, e la sua amante
Cecilia Gallerani, quest’ultima immortalata da Leonardo da Vinci nel dipinto
La dama con l’ermellino.
Il concerto del 19 luglio, che si svolgerà nella chiesa di San Francesco,
propone un programma direttamente legato alla città di Urbino. Le musiche
eseguite provengono dal Codice Medici 1518 - libro corale di mottetti - che
fu dedicato a Lorenzo de’ Medici, Duca di Urbino e verranno realizzate
dall’ensemble Bella Gerit di Urbino. In questa occasione sarà possibile
ascoltare per la prima volta il suono di un antico organo finora
sconosciuto, conservato nell’Oratorio delle Cinque Piaghe e recentemente
restaurato. Con il concerto del 21 luglio, eseguito dall’ensemble Tetraktys
diretto da Kees Boeke, si farà un salto indietro nel tempo ascoltando uno
dei repertori più preziosi ed esoterici della storia musicale, quello
dell’Ars subtilior francese, partendo da due splendidi manoscritti
conservati presso il museo Condé di Chantilly: uno è il libro d’ore
finemente miniato noto come Les Très riches heures du Duc de Berry, che
ispira idealmente il programma e l’altro, da cui sono effettivamente tratte
le composizioni eseguite, è il Codice Chantilly 564. I due concerti
solistici del 23 e del 24 luglio sono ambientati nel Cinquecento e sono
dedicati agli strumenti principali di quel periodo, l’organo e il liuto. Nel
primo, l’organista olandese Liuwe Tamminga si esibisce in un programma che
esplora le radici del repertorio organistico, partendo dal repertorio
cinquecentesco per giungere fino al barocco romano di Pasquini; nel secondo
concerto, il liutista americano Paul O’Dette proporrà le musiche dei grandi
virtuosi italiani del Cinquecento come Marco da L’Aquila, Alberto da Mantova
e Francesco da Milano, musicisti allora attivi nelle maggiori corti italiane
e straniere.
Il secondo tema del festival vuole offrire due spunti contrastanti, scelti
tra le infinite connessioni possibili tra gli strumenti e il repertorio del
passato con le tendenze della MUSICA DI OGGI. Con il concerto del 20 luglio,
il cortile d’onore di Palazzo Ducale farà da sfondo ad un evento dalle
sonorità diametralmente opposte: Gerd Lünenbürger sarà il protagonista di un
programma di musica contemporanea per flauto dolce e letteratura ispirato a
Le città invisibili di Italo Calvino, in cui il suono dello strumento,
grazie alle elaborazioni live electronics di Alessandro Ratoci e le voci
recitanti si diffonderanno in modi inaspettati nella cornice rinascimentale
del cortile. Gli autori in programma sono R. de Man, E. Casale, G. Manca e
A. Arteaga, A. Di Scipio e S. Mossenmark. Di segno opposto il concerto del
26 luglio, in cui il celebre pianista Enrico Pieranunzi metterà a confronto
la sua straordinaria esperienza di musicista jazz e lo strumento moderno, il
pianoforte, con la musica per clavicembalo di Domenico Scarlatti, anch’essa
ricchissima di spunti improvvisativi. Con questo concerto si assiste alla
mirabile fusione tra due mondi, tra la sensibilità interpretativa e creativa
di uno dei migliori pianisti jazz cui l’Europa ha dato i natali e l’ingegno
del più originale compositore-improvvisatore per clavicembalo del Barocco.
Gli altri appuntamenti sono riservati a quello che forse è il tema più
‘classico’ del Festival: il BAROCCO. Il concerto del 22 luglio, con il duo
di clavicembali Le Petit Concert Baroque formato dalle sorelle Chani e Nadja
Lesaulnier, vincitrici del Premio Bonporti 2008, vuole confermare l’impegno
della FIMA nella valorizzazione dei giovani talenti. Il duo eseguirà un
brillante programma che ha come protagonista la musica di J. S. Bach,
presentata anche sotto forma di efficaci adattamenti alle due tastiere. Il
25 luglio sarà invece la volta di uno dei più affermati gruppi italiani di
musica barocca, l’ensemble Zefiro, che con il soprano Gemma Bertagnolli
dedicheranno ai grandi del Settecento italiano ed europeo (Händel, Platti,
Telemann, Mancini e Steffani) un concerto che avrà come protagonista il
virtuosismo vocale e strumentale. Gli ultimi due appuntamenti del festival
coinvolgeranno direttamente le realtà musicali che si formano ad Urbino,
ogni anno diverse ma sempre accomunate dallo stesso spirito: insegnanti e
allievi provenienti da tutto il mondo che fanno musica insieme in
un’atmosfera irripetibile, che fa di ogni edizione un caso unico. Il 27
luglio l’orchestra FIMA sarà diretta da Luca Guglielmi e saranno eseguite
musiche di A. Vivaldi, N. Porpora e J. F. Fasch.
Il prezzo dei biglietti è di € 12 e di € 10 per i giovani
Info: www.fima-online.org Tel. 0722 320817
Prevendita: MARCHIONNIVIAGGI - Tel. 0722/328877 - Fax 0722/4153
urbino@marchionniviaggi.it
LA MOSTRA
Accanto al festival e ai corsi viene presentata la mostra Strumenti della
Musica antica che avrà luogo dal 24 al 26 luglio nella Sala del Castellare
di Palazzo Ducale e andrà a completare lo splendido scenario della musica
d’arte in città. La mostra è nata nel 1993 per offrire ai costruttori di
strumenti storici una vetrina in cui mostrare il loro lavoro. Se da sempre
nell’immaginario collettivo Cremona è legata alla produzione di liuteria
classica, il nome di Urbino è legato al ritorno dell’interesse per lo studio
della musica antica in Italia. Da questo luogo negli anni Settanta sono
passati tutti i nomi più importanti del settore e se Franz Brüggen, Gustav
Leonhardt, Diana Poulton, Han Tol sono tra i veterani, Rinaldo Alessandrini,
Paolo Pandolfo, Andrea Damiani, Enrico Gatti, Alfredo Bernardini, Mara
Galassi e molti altri, rappresentano la nuova generazione di musicisti che
formatisi a Urbino, qui tornano nuovamente ogni anno per suonare e insegnare
a loro volta. Quale vetrina migliore quindi per chi costruisce gli
‘strumenti della musica antica’? La mostra è aperta a espositori di ogni
categoria strumentale, a case editrici e librerie specializzate nella
vendita di dischi e libri di musica antica, ai musicisti e agli appassionati
del settore, ma non solo. Questa può essere un’occasione per un piacevole
fine settimana anche per chi vuole conoscere un altro aspetto della liuteria
italiana. Sale del Castellare di Palazzo ducale ( venerdì 24, ore 15.00
-20.00; Sabato 25, ore 10.00 -18.00; domenica 26, 10.00 -18.00 – INGRESSO
LIBERO)
LA TAVOLA ROTONDA
Quasi ad ideale continuazione della Giornata di Studi sulla musica antica
che si è tenuta durante la scorsa edizione per ricordare il quarantennale
della FIMA e che ha avuto tanto successo grazie anche alla partecipazione di
Umberto Eco, quest’anno sarà la volta di una giornata (domenica 22) dedicata
al tema «Prattica & specolativa», Musicologia e prassi esecutiva
‘storicamente informata’. L’occasione è rappresentata dal ventennale di
«Recercare», la rivista scientifica della FIMA diretta da Arnaldo Morelli,
responsabile anche di questa giornata. La rivista ospita i contributi dei
maggiori specialisti a livello internazionale sulla prassi esecutiva e
sull’organologia ed è ormai considerata nel suo settore uno strumento di
riferimento.
I CORSI DI SPECIALIZZAZIONE
Saranno oltre 300 gli allievi che prenderanno parte ai corsi di
specializzazione di Urbino. Questi incontri si svolgeranno al mattino con
lezioni individuali di canto o strumento e in laboratori pomeridiani di
musica da camera, orchestra e danza. Sono incentrati su lezioni teoriche
collettive e lezioni individuali allo strumento. L’obiettivo dei corsi è, ed
è sempre stato, quello di costituire un appuntamento per tutti i musicisti
italiani e stranieri appassionati degli strumenti antichi, volto a
perfezionare le tecniche di esecuzione ed interpretazione della musica
medievale, rinascimentale e barocca, grazie alla presenza tra i docenti dei
migliori specialisti in questo ambito.
Il progetto didattico si articola non solo nelle lezioni individuali
quotidiane, ma anche in una serie di attività collaterali culminanti nei
concerti pubblici, riservati agli allievi più meritevoli, ai quali sono
anche assegnate borse di studio su segnalazione dei docenti.
I corsi internazionali di musica antica saranno tenuti da Lieven Baert,
Barbara Sparti (danza rinascimentale); Alfredo Bernardini (Oboe barocco);
Lavinia Bertotti e Claudine Ansermet (Canto rinascimentale e barocco); Han
Tol, Lorenzo Cavasanti, Ludovica Scoppola, Gerd Lünenburger (Flauto dolce);
Claudia Caffagni, Livia Caffagni (Musica medievale); Paola Della Camera
(Danza popolare); Stefano Demicheli (Basso continuo); Piercarlo Fontemagi
(Coro); Diego Fratelli (Polifonia rinascimentale); Mara Galassi (Arpa
rinascimentale e barocca); Marcello Gatti (Flauto traverso); Gloria Giordano
(Danza Barocca francese); Luca Guglielmi (Clavicembalo); Stefano Montanari
(Violino barocco); Gaetano Nasillo (Violoncello barocco); Paul O'Dette
(Liuto e Tiorba); Paolo Pandolfo (Viola da gamba); Alessandro Quarta (Canto
madrigalistico); Mauro Squillante (Mandolino); Giovanni Togni (Fortepiano).
Saranno inoltre attivati corsi di musica da camera e insiemi medievali
durante i quali verranno preparati i programmi musicali da eseguire per
‘Armonie al crepuscolo’, la rassegna di concerti eseguiti dagli allievi,
organizzati in angoli suggestivi di Urbino e che riscuotono sempre un grande
successo di pubblico. |
41° Festival Urbino Musica Antica
18 - 27 luglio 2009
Enrico Pieranunzi plays Domenico Scarlatti
Urbino, Cortile d’Onore di Palazzo Ducale - 26 luglio ore 21.15
Sarà il pianoforte di Enrico Pieranunzi a riprodurre in chiave jazz le note
barocche delle sonate di Domenico Scarlatti nel concerto di domenica 26
luglio alle ore 21.15 nel Cortile d’Onore di Palazzo Ducale ad Urbino. Il
pianista romano presenterà il CD Enrico Pieranunzi plays Domenico Scarlatti
(CamJazz), che tanto successo di pubblico e di critica continua a riscuotere
in Italia e all’estero.
Un altro concerto dedicato alla “musica di oggi” nel cartellone della 41°
edizione di Urbino Musica Antica, che quest’anno ha arricchito il suo
programma spaziando fino alla musica dei nostri giorni pur mantenendo saldo
il legame con la grande tradizione del passato.
Con questo concerto, Enrico Pieranunzi metterà a confronto la sua
straordinaria esperienza di musicista jazz e lo strumento moderno, il
pianoforte, con la musica per clavicembalo di Domenico Scarlatti, anch’essa
ricchissima di spunti improvvisativi. Si assiste, dunque, alla mirabile
fusione tra due mondi, tra la sensibilità interpretativa e creativa di uno
dei migliori pianisti jazz e l’ingegno del più originale
compositore-improvvisatore per clavicembalo del Barocco. Nessun pianista
prima di Pieranunzi aveva infatti mai affrontato le sonate del grande
compositore napoletano alternandone l’interpretazione con ampie,
personalissime improvvisazioni che ad esse si ispirano. Un approccio che ha
entusiasmato per l’intensità e la fantasia sia gli appassionati di jazz che
i cultori di musica classica.
“Nella musica di Scarlatti troviamo un mélange miracoloso fatto di flessuose
linee melodiche, ritmi di flamenco ed echi della sua terra d’origine” dice
il pianista romano. “Mi ha sempre colpito la vitalità, l’inconfondibile
fantasia, il calore mediterraneo delle sue sonate”. Secondo Pieranunzi si
può vedere nel grande compositore napoletano una sorta di antesignano di
quel fantastico gioco dell’improvvisar-componendo o del
comporre-improvvisando che costituisce il senso più profondo e affascinante
del jazz. Le sue sonate, infatti, vivono di un miracoloso equilibrio tra
spirito improvvisativo e sapienza compositiva.
Pieranunzi - così come ha fatto nell’apprezzatissimo cd Enrico Pieranunzi
plays Domenico Scarlatti, pubblicato nell’estate 2008 dalla CamJazz –
“giocherà” con gli spunti tematici presenti in alcune sonate per dar vita,
tra suggestioni e improvvisazioni, ad un viaggio sonoro condotto sul filo
dell’imprevedibile e di una sorprendente visione formale del far musica.
Urbino – Cortile d’Onore di Palazzo Ducale
Domenica 26 luglio ore 21.15
Enrico Pieranunzi plays Scarlatti
D. Scarlatti , Sonate K 531; K 492; K 9 ; K 159
Biglietti € 12 intero ; € 10 ridotto
Info: www.fima-online.org Tel. 0722 320817
Prevendita: MARCHIONNIVIAGGI - Tel. 0722/328877 - Fax 0722/4153
urbino@marchionniviaggi.it
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Urbino Musica Antica
18 - 27 luglio 2009
La danza rinascimentale inaugura la
41°edizione del Festival
Nella splendida cornice di Palazzo Ducale, le musiche, i costumi e le
coreografie del rinomato ensemble polacco Cracovia Danza Court Ballet per la
prima volta in Italia
Si inaugura il 18 luglio alle ore 21.15 nel Palazzo Ducale di Urbino, la 41°
edizione di ‘Urbino Musica Antica’, il Festival musicale internazionale
organizzato dalla FIMA che lo scorso anno ha riscosso un enorme successo di
critica e pubblico. Quest’anno, ad aprire la rassegna una serata dedicata
alla danza con il Cracovia Danza Court Ballet, l’unico ensemble di danza
storica in Polonia per la prima volta in Italia con lo spettacolo La Fortuna
– La dama con l’ermellino, un balletto - pantomima ispirato al celebre
dipinto di Leonardo. Le musiche saranno eseguite dal gruppo Ars Cantus,
mentre la ricostruzione delle coreografie è di Barbara Sparti.
Il tema delle alterne vicende della fortuna fa da filo conduttore nella
storia che costituisce l’ossatura dello spettacolo, ambientato a Milano alla
corte di Ludovico il Moro e che vede come antagoniste Beatrice d’Este,
moglie legittima di Ludovico, e la sua amante Cecilia Gallerani,
quest’ultima immortalata da Leonardo da Vinci nel dipinto La dama con
l’ermellino, custodito proprio al Museo Czartoryski di Cracovia. Tra storia
e leggenda una perfomance che vuole avvicinare il pubblico contemporaneo
alla ricchezza e alla raffinatezza della cultura del Quattrocento italiano
con uno storico viaggio presso la corte degli Sforza a Milano. I costumi, in
parte disegnati in Francia da Martine Pichon e in parte in Polonia da Monika
Polak-Luoeciñska, sono stati ispirati dall’iconografia e dallo stile del
periodo. Il repertorio musicale e l’instrumentarium sono il risultato di una
stretta cooperazione con "Ars Cantus" Early Music.
Il prezzo dei biglietti è di € 12 e di € 10 per i giovani
Info: www.fima-online.org Tel. 0722 320817
Prevendita: MARCHIONNIVIAGGI - Tel. 0722/328877 - Fax 0722/4153
urbino@marchionniviaggi.it
"Cracovia Danza" è l’unico ensemble professionale di danza storica e di
corte in Polonia. Il suo repertorio comprende danza e coreografie dal
Medioevo ad oggi. L'ex "Ardente Sole" Balletto di Corte, l'odierna "Cracovia
Danza", è stato fondato da Romana Agnel, danzatrice, coreografa,
specializzatasi a Parigi, con "Le Bal Paré" e l’ensemble "Théâtre de France
Barocco". Le coreografie sono ricostruite sulla base dei trattati di maestri
di danza e create da coreografi contemporanei sulla base degli studi
iconografici. "Cracovia Danza" opera in Polonia e all'estero. e collabora
con diverse istituzioni culturali in tutta la Polonia (Varsavia, opera da
camera, il Castello Reale di Varsavia, il Museo Storico della Città di
Cracovia...) partecipando a registrazioni televisive polacche e
internazionali e prendendo parte a diversi prestigiosi festival di musica e
danza in tutto il mondo. Il carattere unico del gruppo, l'alto livello
artistico delle sue prestazioni, l’abilità dei ballerini professionisti e la
estrema cura nella ricostruzione storica dei costumi costituiscono un ottimo
biglietto da visita per la cultura e per l'arte della danza, sia polacco che
europeo. L'ensemble Ars Cantus è stato costituito nel 2000 in occasione dei
festeggiamenti del primo millennio della città di Breslavia , come un gruppo
vocale associato ai musicisti da camera di Breslavia. Sotto la direzione
artistica di Tomasz Dobrzanski, il gruppo esegue musica dei secoli passati,
dal medioevo al primo barocco. Una parte significativa del repertorio di Ars
Cantus è costituita dai monumenti musicali della Bassa Slesia, che risalgono
al XIV secolo. Nel 2001 al gruppo è stato assegnato il Premio Zofia
Rayzacherowa come “la più grande individualità artistica nella musica antica
" nel corso dell’ 11° Festival di Musica Antica presso il Castello Reale a
Varsavia per l'esecuzione della raccolta Carmina Burana. Il CD "Musica
Rediviva", basato sul repertorio di stampe musicali dei secoli XVI e XVII di
Breslavia, ha vinto il "Nagroda Muzyczna Wroclawia" nel 2003.
18 Luglio 2009- 0re 21.15
Urbino, Cortile d’onore di Palazzo Ducale
LA FORTUNA – La dama con l’ermellino
Balletto - pantomima ispirato al celebre dipinto di Leonardo
Cracovia Danza Court Ballet
Pawel Winsczyk, direzione
Romana Agel, coreografia
Per la parte musicale:
The Ars Cantus Early Music Ensemble
Milena Dobroc, liuto
Tomasz Dobrzanski, flauto, bombarda, mandora, direttore musicale
Marek Nahajowski, flauto, bombarda
Anna Sliwa, viella
Monika Wieczorkowska, cantante
Marek Zwirdowski, trombone
I. Prologue
Mariotto da Perugia (ca 1478-ca 1566) Balletto "La Fortuna"
II. Cecilia e Lodovico
Anonymous Canzona "O gratiosa viola mia gentile" from Manuscript Escorial
IV. a. 24
Giuseppe Giamberti (ca 1600 - ca 1662) "Ballo di Mantua"
Domenico da Piacenza (ca 1420 - ca 1475) Ballo "Figlia Guglielmina", Ballo
"Rostiboli
Gioioso", Ballo "Tessara"
Anonymous Canzona "Mirando el gran splendor e l'honestade" from Manuscript
Escorial
IV. a. 24
Anonymous "Saltarello 4"
Francesco di Giorgio (1439-1502) Ballo "Tangeloso"
III. Engagement
Heinrich Isaac (ca 1450 - 1517) Basse danse "La Spagna / Falla con Misura"
Anonymous "Tenta Aluora"
IV. Beatrice e Lodovico
Joan Ambrosio Dalza (around1508) "Piva"
Domenico da Piacenza (1390-1470) Ballo "Rostiboli Gioioso"
Guglielmo Ebreo (ca 1420 - ca 1484) Bassa danza "Patientia", Ballo
"Colonese"
Manuscript Escorial IV. a. 24 canzona Mirando el gran splendor e l'honestade
Anonymous Bassa Danza "Ninfe"
Joan Ambrosio Dalza (around1508) Moresca "Calata ala Spagnola"
Hans Neusiedler (ca 1508-1563) Moresca „Der Judentanz”
Gugliemo Ebreo (ca 1420- ca 1484) Ballo „Voltati in ca rosina”
Guglielmo Ebreo (ca 1420-1484) „Amoroso” from „De practica seu arte
tripudii”
Johannes Martini (ca 1440-1497) Canzona „Fortuna Desperata” |
Suona francese - festival di musica
antica:
da aprile a giugno 2009, 350 artisti in 14 città italiane
ALESSANDRO LICATA
Organo
una produzione
Accademia Filarmonica
Romana Centro Culturale Aracoeli
GIOVEDI 07 MAGGIO
BASILICA DI SANTA MARIA IN ARACOELI - ore 21
Info concerto : 06 80 24 12 81
Programma Suona Francese :
www.suonafrancese.com
Suona francese torna, da aprile a giugno, con un festival di musica antica,
promosso dallAmbasciata di Francia in Italia e dalla Fondazione Nuovi
Mecenati, aprendo ulteriori spazi di cooperazione italo-francese. Gli
appuntamenti proseguono : a Roma, il 07 maggio, arriva alla Basilica di
Santa Maria in Aracoeli, Alessandro Licata che propone una selezione di
pagine organistiche francesi selezionate con lintento di evidenziare
linfluenza esercitata sulla letteratura organistica successiva e in
particolare sullopera di Johann Sebastian Bach.
Tale influenza si può rintracciare sia in termini di diretta ripresa di temi
e motivi da grandi compositori francesi, sia, come ad esempio nel primo
brano in programma, il Preludio e tripla Fuga in Mi bemolle maggiore, in
termini di adesione alla forma tipica dellouverture francese.
I successivi brani evidenziano lattenzione rivolta da Bach alla trascrizione
di pagine di compositori francesi, come nel caso dellAria tratta da Les
Nations di Couperin, o allo studio e alla copia del Livre dorgue di Nicolas
de Grigny. In questultimo caso linfluenza si evidenzia con i parallelismi
che si possono rintracciare allascolto fra la Fuga a 5 di de Grigny e la
Fantasia in do minore, anchessa a cinque voci. Infine il tema del Christe
Trio en Passacaille di André Raison che, come ampiamente documentato, è
stato da Bach ripreso e ampliato per costruire limmenso edificio sonoro
della Passacaglia.
Programma
JOHAN SEBASTIAN BACH : Preludio e tripla Fuga in mi bemolle maggiore Aria
(da Couperin, Les Nations, LImperiale)
NICOLAS DE GRIGNY : Fugue à 5 (Livre dorgue)
JOHAN SEBASTIAN BACH: Fantasia in do minore
ANDRE RAISON : Christe Trio en passacaille (Livre dorgue)
JOHAN SEBASTIAN BACH: Passacaglia |
Musica antica
Le città della Musica
Circuito Lombardo di Musica Antica 2009
mozartGiunto nel 2009 al quarto anno di vita, il Circuito Lombardo di Musica
Antica di ReteOrfeo torna a toccare quattro città di grande storia e
cultura: Pavia, Mantova, Milano, Brescia.
Pensato e realizzato in prima persona dai musicisti, il network popone come
sua cifra stilistica la volontà di stimolare un confronto tra artisti
diversi per esperienze e specificità che però condividono una comune
sensibilità nel modo di fare musica. Nei cartelloni di ciascuna rassegna, le
nostre quattro città lanciano un ponte ideale verso quattro capitali della
musica europea del Settecento - la Salisburgo di Eberlin e Mozart, la
Venezia di Vivaldi, la Londra di Händel e Haydn, la Vienna di Haydn e Mozart
- per proporre letture nuove di pagine amatissime dal grande pubblico, ma
anche la scoperta di capolavori musicali per troppo tempo dimenticati.
I quattro gruppi fondatori, Arìon Choir & Consort, Orchestra Barocca Zefiro,
Il Quartettone e Brixia Musicalis, sono formazioni di eccellenza accomunate
dalla volontà di coinvolgere con proposte di qualità il pubblico del proprio
territorio.
Per la prima volta, nell'ambito del Circuito, all'intensa attività di
produzione dei gruppi fondatori, si associano quest'anno due ospiti di fama
mondiale: Giuliano Carmignola e l'English Concert.
Il calendario
Domenica 15 marzo – Milano, Museo della Scienza e della Tecnica
Lunedì 16 marzo – Pavia, Aula Magna del Collegio Ghislieri
Venerdì 23 ottobre (data da confermare) – Brescia
NE CADANT IN OBSCURUM
Il Requiem di Johann Ernst Eberlin
Naoco Yamamura • Morena Carlin • Krystian Krzeszowiak • Carlo Checchi
Arìon Choir & Consort
Giulio Prandi, direttore
__________________________________________________________
Mercoledì 15 aprile – Pavia, Aula Magna del Collegio Ghislieri
Venerdì 8 maggio – Mantova, Teatro Bibiena
Sabato 9 maggio – Milano, Museo della Scienza e della Tecnica
Lunedì 27 settembre – Montichiari
Mercoledì 29 settembre – Brescia
ARTIFIZIO E SENTIMENTO
Concerti per violino e archi di Vivaldi
Elisa Citterio, violino
Brixia Musicalis
__________________________________________________________
Sabato 25 aprile – Mantova, Teatro Bibiena
Lunedì 27 aprile – Pavia, Aula Magna del Collegio Ghislieri
LASCIA CH’IO PIANGA
La cruda sorte delle eroine händeliane
Roberta Invernizzi, soprano
Arìon Consort
Giulio Prandi, direttore
__________________________________________________________
Sabato 2 maggio – Mantova, Teatro Bibiena
Domenica 3 maggio – Milano, Museo della Scienza e della Tecnica
ALLEGRO E SPIRITOSO
Haydn & Mozart – Divertimenti per archi e per fiati
Giuliano Carmignola & Friends
__________________________________________________________
Sabato 16 maggio – Mantova, Teatro Bibiena
Domenica 24 maggio – Milano, Museo della Scienza e della Tecnica
Rodengo Saiano, data da definire
A PAPA’ HAYDN CON AFFETTO
Omaggio a Franz Joseph Haydn
Il Quartettone
Carlo De Martini, direttore
__________________________________________________________
Giovedì 28 maggio – Pavia, Aula Magna del Collegio Ghislieri
Venerdì 29 maggio – Mantova, Teatro Bibiena
FIREWORKS MUSIC
G.F. Händel - Musica per i reali fuochi d’artificio
Orchestra Barocca Zefiro
Alfredo Bernardini, direttore
__________________________________________________________
Venerdì 19 giugno – Pavia, Aula Magna del Collegio Ghislieri
Sabato 20 giugno – Brescia
IN FURORE IUSTISSIMAE IRAE
Cantate di Händel e Vivaldi
Elizabeth Watts, soprano
The English Concert
:::::::::::
Piero Pelù
“Fenomeni Tour Tatrale 2009” fa tappa a Milano il 30 marzo
piero pelùDopo un lungo tour estivo che l’ha visto protagonista in tutte le
più importanti arene e piazze italiane nell’estate 2008, Piero Pelù presenta
per la prima volta un avventuroso e poliedrico spettacolo che unisce la sua
musica al teatro. Collabora con lui firmando anche la regia Sergio Bini in
arte BUSTRIC, autore, regista, attore a livello mondiale.
La sceneggiatura dello spettacolo, basata sui temi delle 21 canzoni della
scaletta, è scritta a quattro mani da Pelù e Bustric così come la
scenografia che sarà ispirata al futurismo e a Calder. Uno spettacolo di
grandi emozioni, atmosfere ed energia che metterà in rilievo le capacità
vocali interpretative e vocali di Piero.
Piero Pelù eseguirà sia le canzoni del repertorio Litfiba (alcune mai
suonate dal vivo prima d’ora) sia quelle appartenenti al suo repertorio da
solista, con nuovi arrangiamenti per lo spettacolo.
Il “Fenomeni Tour Tatrale 2009” sarà anche luogo in cui concretizzare la
solidarietà. In ogni data del tour infatti, saranno ospitati cinque
lavoratori di aziende in difficoltà economiche, per offrire loro la
possibilità di testimoniare un momento storico particolarmente difficile per
il mondo del lavoro.
Queste le date del “Fenomeni Tour Tatrale 2009”
21 marzo Teatro Apollonio Varese
24 marzo Creberg Teatro Bergamo
26 marzo Teatro Ambra Jovinelli Roma
28 marzo Nuovo Teatro Carisport Cesena (Fc)
30 marzo Teatro Ciak Webank.it Milano
31 marzo Teatro Comunale Carpi (Mo)
3 aprile Teatro Politeama Pratese Prato |
| Grazie
a www.stradivarius.it
Antichi strumenti
orchestra barocca
L’orchestra barocca Antichi Strumenti è stata
fondata a Francoforte sul Meno nel 1997.
Nonostante l’orchestra abbia la sua residenza in
Germania, i musicisti che la compongono sono originari di
diversi Paesi europei, particolarità questa che
contribuisce a creare un gusto nell’orchestra che è
sintesi delle influenze acquisite nei luoghi di
formazione e di provenienza di ognuno (Londra, Basilea,
Milano, Vienna).
Con lo scopo di instaurare un più stretto contatto con
il suo pubblico, Antichi Strumenti ha dato vita ben
presto ad una propria stagione di concerti: ognuno di
essi viene inoltre accompagnato da un ampio testo –
“Critica Musica” – in cui si illustrano le
scelte artistiche del gruppo e in cui si danno anche
risposte ai maggiori quesiti di prassi esecutiva barocca.
Particolare attenzione viene dedicata dall’Ensemble
al repertorio delle Cappelle dell’area tedesca
meridionale (Darmstadt, Karlsruhe, Stoccarda) e alla
musica dell’Italia Settentrionale.
Antichi Strumenti collabora strettamente con diverse
biblioteche come, nel caso di questa incisione, la
Sezione Musicale della Darmstadter Landesbibliothek e il
suo direttore dott. Oswald Bill.
Antichi Strumenti è diretto dai suoi fondatori Tobias Bonz e Laura
Toffetti in collaborazione con il loro primo violino Gert-Uwe Klein
|
Le melodie inglesi del ‘500 a Palazzo
Ducale
con il grande Paul O’Dette
Sabato 26 ore 21.15 – Cortile d’Onore di Palazzo Ducale – Urbino
Sarà Paul O’ Dette, uno dei massimi liutisti viventi, il protagonista del
suggestivo concerto di sabato 26 alle ore 21.15 nel Cortile d’Onore di
Palazzo Ducale di Urbino, con un programma dedicato alla ‘Golden Age’ della
musica inglese, il periodo elisabettiano. Da un’epoca in cui anche la regina
Elisabetta I si dilettava con il liuto abbiamo ricevuto un immenso
patrimonio di musiche , tra cui spiccano i brani di John Dowland (autore
recentemente divulgato presso il grande pubblico da Sting) e le pirotecniche
variazioni di D. Bachelar sul tema del Mounsieur’s Almaine che verranno
presentati in questa serata. Dowland è stato uno dei maggiori compositori
inglesi di tutti i tempi che oltre alla produzione di musica vocale ha
lasciato un patrimonio inestimabile per liuto. Molti suoi brani sono
dedicati a personaggi illustri della sua epoca, come la Gagliarda dedicata
al Re di Danimarca anche in programma per questa serata. La sua musica
spazia tra due stati d’animo diversi: la melanconia, sentimento diffuso
nell’Inghilterra dell’epoca, e il brillante ritmo delle danze. La magia del
liuto esalta al meglio le melodie della musica inglese e i suoi legami alle
ballate e ai riti popolari. Ascolteremo anche le note di ballate ispirate
alla leggenda di Robin Hood (Robin is to the greenewood gone) o arie dal
tono allusivo come John come Kisse mee Now.
Grazie alle doti interpretative di Paul O’ Dette riusciremo ad apprezzare al
meglio i contrasti espressivi che caratterizzano queste musiche. O’Dette ha
ottenuto diverse nomination ai Gramophone Award per la sua produzione
discografica. È un musicista in cui si ritrovano sia le doti della
perfezione tecnica che della musicalità e dell’approfondimento storico e
culturale relativo ai vari stili musicali.
Sabato 26 luglio - ore 21.15
Urbino
Palazzo Ducale, Cortile d’Onore
Paul O’Dette liuto
Anonimo
I cannot keep my wife at home, Up Tails All, Robin is to the Greenewood
Gone, John com Kisse mee Now,
Daniel Bachelar
Pavan & Galliard, Mounsieur’s Almaine
Anthony Holborne
Fantasia, Il Nodo di Gordio, A Fairy Round
John Johnson
Passingmeasures Galliard, A Pavan to Delight, A Galliard to Delight,
Carman's Whistle
John Dowland
A Fancy (Poulton n°5), Sir John Langton his Pavin, The King of Denmark’s
Galliard
A Fancy (Poulton n°6), Farewell, Sir Henry Guilford, his Almaine, Pavan,
Galliard, Mignarda, A Fancy
Paul O’Dette
Pochi strumentisti giungono ad essere considerati un’autorità universalmente
riconosciuta così come è avvenuto con Paul O’Dette nel campo del liuto. È
stato descritto come il caso più evidente di genio che abbia mai suonato
questo strumento (Toronto Globe and Mail). Una delle figure più influenti
nel suo campo, O’Dette ha contribuito a definire gli standard tecnici e
stilistici cui gli esecutori di musica antica del ventunesimo secolo debbano
aspirare. Nel fare ciò, egli ha contribuito ad infondere nel movimento sulla
prassi esecutiva una perfetta combinazione di consapevolezza storica,
accuratezza nei differenti stili e un’appassionata personalità. Le sue
esecuzioni presso i principali festival internazionali quali quelli di
Londra, Parigi, Montpellier, Amsterdam, Utrecht, Bruges, Anversa, Berlino,
Monaco, Vienna, Innsbruck, Praga, Brema, Dresda, Milano, Firenze, Ginevra,
Madrid, Barcellona, Tenerife, Copenhagen, Oslo, Cordoba, San Pietroburgo,
Mosca, Boston, Los Angeles, Vancouver, Berkeley, Montevideo, Buenos Aires,
Melbourne, Tokyo, etc., sono state segnalate come i momenti salienti di
questi eventi. Nonostante sia più noto per i suoi recital e per le
registrazioni di musica virtuosistica per liuto, Paul O’Dette mantiene anche
un’attiva carriera nella musica d’insieme, collaborando con molti dei
principali solisti e gruppi di musica antica. È membro dell’acclamato gruppo
di basso continuo Tragicommedia.
Ha realizzato più di 120 registrazioni, molte delle quali sono state
nominate per il Record of the Year Award di Gramophone. The Bachelar’s
Delight: Lute Music of Daniel Bacheler è stato nominato per il Grammy lo
scorso anno come Best Solo Instrumental Recording. The Complete Lute Music
of John Dowland (un cofanetto di 5 CD per Harmonia Mundi), ha ricevuto il
prestigioso Diapason D’Or de l’année, mentre The Royal Lewters ha ricevuto
il Diapason D’Or, lo Choc du Monde de la Musique, una valutazione di cinque
stelle in BBC Music Magazine, una valutazione di cinque stelle in Goldberg e
un punteggio massimo di dieci da ClassicsToday.com. Si è esibito in
trasmissioni radiofoniche e televisive in tutto il mondo.
Più recentemente si è dedicato alla direzione di opere barocche. Nel 1997 ha
diretto insieme a Stephen Stubbs L’Orfeo di Luigi Rossi’s a Tanglewood, al
Boston Early Music Festival (BEMF) e al Drottningholm Court Theatre in
Svezia. Sin dal 1999 hanno collaborato nella direzione di Ercole Amante di
Cavalli al Boston Early Music Festival, Tanglewood, e all’Utrecht Early
Music Festival, La Stellidaura Vendicata di Provenzale alla Vadstena Academy
in Svezia, l’Orfeo e L’Incoronazione di Poppea di Monteverdi al Festival
Vancouver, Thesée di Lully, Ariadne di Conradi (Amburgo 1691), Boris
Goudenow di Mattheson e Psyché di Lully per il Boston Early Music Festival e
Tanglewood. La registrazione di Ariadne di Conradi è stata nominata per il
Grammy come migliore registrazione di opera nel 2006, mentre Thesée di Lully
è stata nominata per il Grammy di quest’anno. La registrazione di Psyché di
Lully sarà pubblicata a breve. E’ stato invitato come direttore ospite
presso numerose orchestre in Europa, America e Canada.
Oltre all’attività di esecutore Paul O’Dette è un avido ricercatore che ha
studiato approfonditamente la prassi esecutiva e le fonti della musica
italiana del XVI secolo nonché la canzone solistica inglese; i suoi studi
sulla pratica del basso continuo e la tecnica del liuto confluiranno in un
testo di prossima uscita realizzato insieme a Patrick O’Brien.
Ha pubblicato numerosi saggi su argomenti relativi alla prassi esecutiva
storica e ha partecipato alla realizzazione della voce ‘Dowland’ nel New
Grove Dictionary of Music and Musicians.
E’ professore di liuto e direttore del Dipartimento di Musica antica presso
la Eastman School of Music e direttore artistico del Boston Early Music
Festival.
_______40 anni e non sentirli
Urbino Musica Antica riscuote sempre più successo.
Tutto esaurito nei concerti a Palazzo Ducale e negli alberghi
della città in occasione del festival
Il festival di Urbino è giunto alla sua settima giornata. I concerti che
hanno caratterizzato le serate urbinati nello scenario di Palazzo Ducale
hanno registrato il tutto esaurito, portando pubblico da varie parti della
regione e d’Italia.
I corsi di perfezionamento, che caratterizzano e animano il festival da 40
anni, vedono la presenza ad Urbino di oltre 250 musicisti provenienti
dall’Italia, ma soprattutto da tante altre parti del mondo. Quest’anno in
particolare molte le presenze dalla Russia, dal Giappone, dall’Australia e
dalla Germania. Il livello di preparazione degli allievi è alto e si prevede
un’ottima riuscita anche per le manifestazioni che vedono protagonisti
proprio questi giovani musicisti, per gli appuntamenti di Armonie al
Crepuscolo (ogni sera in alcuni luoghi caratteristici della città a partire
dalle ore 19) con il concerto del 27 luglio alle ore 21.15 nel Cortile
d’Onore di Palazzo Ducale e con quello del 28 luglio alle ore 21.15 nel
Duomo di Sant’Angelo in Vado.
“Il festival è luogo di incontro e aggregazione per musicisti provenienti da
esperienze differenti, che si ritrovano a confrontarsi sul linguaggio comune
della musica antica” dice Andrea Damiani, liutista e presidente della FIMA,
Fondazione Italiana per la Musica Antica.
“Questa attività nasce dal retaggio di decenni di corsi e concerti svolti in
Urbino che tuttavia si sono trasformati negli ultimi anni in quello che può
considerarsi il corso di musica antica più frequentato a livello
professionale nel panorama europeo ma anche internazionale”, afferma Renato
Meucci, musicologo ed ex presidente della FIMA.
La città per oltre dieci giorni risuona delle note e delle armonie di questi
giovani artisti e dei protagonisti dei concerti serali, come anche delle
loro differenti lingue e ritorna a risplendere riacquistando la sua
autentica dimensione rinascimentale.
Paul O’Dette, uno dei maggiori virtuosi di liuto con diverse nomination ai
Gramophone Award per la sua produzione discografica, che si esibirà in un
programma dedicato a quel repertorio elisabettiano noto al grande pubblico
grazie al CD Labyrinth di Sting.
Le musiche di Dowland ….
Legami della musica con la cultura e filosofia partendo da esperienza del
passato |
::::::::
www.fima-online.org
Daniel Brüggen inaugura il Festival di Urbino Musica Antica
Si inaugura il 19 luglio alle ore 21.15 nel Palazzo Ducale di Urbino,
‘Urbino Musica Antica’, il festival musicale internazionale organizzato
dalla FIMA (Fondazione Italiana per la Musica Antica) con il concerto del
Brüggen Consort diretto da Daniel Brüggen. In programma la Suite in la
minore di Georg Philipp Telemann, il Quartetto in do minore
Johann Gottlieb Goldberg, il Concerto in re maggiore per flauto con archi e
Ricercare a 6 BWV 1079 di J. S. Bach.
Si tratta di un concerto che esplora quattro prospettive differenti della
musica barocca tedesca. Si parte dall’ascolto della Suite di Telemann in cui
l’ascoltatore è trasportato a vivere i contrasti fra i movimenti di danza
tipici della Suite per arrivare al celebre Ricercare a sei voci dell’Offerta
musicale, opera della maturità di Bach cui non possiamo non associare il
nome di Johann Goldberg indissolubilmente legato alle omonime Variazioni,
altro capolavoro dell’arte bachiana. Fra loro il Concerto per flauto ed
archi nel quale il dialogo fra lo strumento solista e l’orchestra d’archi è
gestito con la maestria con cui Bach sapeva scrivere, esaltando non solo le
qualità espressive dello strumento solista ma anche la relazione
“architettonica” con l’orchestra attraverso la sapiente scrittura dei temi.
Daniël Brüggen è nato ad Haarlem, in Olanda. Ha iniziato a suonare il flauto
dolce all’età di sette anni. Ha iniziato a studiare con Kees Boeke ed è
quindi entrato al Conservatorio Sweelinck di Amsterdam dove si è diplomato
come solista nel 1983. Durante i suoi studi ha fondato, insieme ad altri tre
compagni, l’ensemble Amsterdam Loeki Stardust Quartet. Con questo gruppo,
dopo aver vinto, in maniera controversa e inaspettata il Concorso di Musica
Antica di Bruges, ha suonato in tutto il mondo e ha effettuato numerose
registrazioni per Decca, Channel Classics e NM Classics, due delle quali
hanno vinto il prestigioso Edison Award. Daniël Brüggen è attualmente attivo
come insegnante al Royal College of Music di Londra e al Conservatorio Reale
dell’Aia. Tiene masterclass sulla musica d’insieme in Europa, USA, e Asia.
Ha suonato con numerosi gruppi, tra cui London Baroque, The Academy of
Ancient Music e Camerata of the 18th Century.
Il prezzo dei biglietti è di € 12 e di € 10 per i giovani
________
40 anni sulle antiche note:
Urbino Musica Antica dal 19 al 28 luglio 2008
Ritorna l’appuntamento con il prestigioso festival internazionale: concerti,
corsi di perfezionamento, una tavola rotonda presieduta da Umberto Eco e una
mostra di strumenti antichi nella bella cittadina marchigiana
Si inaugura il 19 luglio ‘Urbino Musica Antica’, il festival musicale
internazionale organizzato dalla FIMA (Fondazione Italiana per la Musica
Antica) nella splendida cornice della città marchigiana patrimonio
dell’Unesco e uno dei centri più belli e intatti del Rinascimento. Il
festival festeggia il suo quarantennale e coinvolge con le sue
manifestazioni tutta la città fino al 28 luglio: un atteso appuntamento, un
insostituibile punto di incontro e momento di confronto tra musicisti di
tutto il mondo. Urbino si immerge in un’atmosfera magica dove la musica è
protagonista assoluta: corsi, festival, una tavola rotonda presieduta da
Umberto Eco e una mostra di strumenti antichi saranno al centro di
un’intensa settimana che convoglierà centinaia di musicisti e appassionati
per frequentare le lezioni di canto, musica medievale, rinascimentale e
barocca e per seguire i concerti in programma.
Il festival si presenta con un ricco programma che va dal ‘300 al primo
romanticismo. I concerti si svolgono in ambienti unici e suggestivi come il
cortile d’onore del Palazzo Ducale, capolavoro dell’architetto dalmata
Luciano Laurana.
È organizzato con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività
Culturali, della Regione Marche della Provincia di Pesaro e Urbino, del
Centro Provinciale Promozione Beni Culturali, e della Commissione Nazionale
Italiana UNESCO e promosso dalla Città di Urbino - Assessorato Cultura e
Turismo. Il direttore artistico è Claudio Rufa.
Il festival
Il primo appuntamento è il 19 luglio con il Brüggen Consort, diretto da
Daniel Brüggen, che proporrà un programma di concerti per flauto dolce e
archi nel cortile d’onore del Palazzo Ducale con musiche di Goldberg, Bach e
Telemann. Il 21 luglio il violoncellista Gaetano Nasillo con Alessandro
Commellato al pianoforte eseguiranno un programma di sonate virtuosistiche
dell’800, da Beethoven a Rossini e Chopin. Si prosegue poi il 22 luglio con
il clavicembalista Luca Guglielmi, in un recital di musiche del ‘600 e del
‘700 di Byrd, Frescobaldi e Bull. Anche il concerto del 23 luglio è dedicato
al flauto dolce, lo strumento che sicuramente più di ogni altro ha reso i
corsi di Urbino famosi nel mondo e a cui in questa edizione se ne rende un
particolare omaggio: il gruppo formato da Lorenzo Cavasanti, Maurice Steger,
Dorothee Oberlinger flauti dolci, insieme all’organista Stefano Demicheli,
si esibirà in un multiforme programma che spazia tra il ‘600 e il ‘700 e
prevede musiche di Vivaldi, Telemann, Sammartini e Locke. Il 24 luglio
l’organista Maurizio Salerno terrà un concerto all’organo della chiesa di
San Francesco. Il 25 luglio tornerà l’ensemble Mala Punica diretto da Pedro
Memelsdorff, specializzato in preziose ricostruzioni della musica del ‘300 e
del ‘400: eseguirà il programma Napoli gothique, dedicato alla musica
praticata a Napoli al tempo degli angioini. Il 26 Luglio il liutista
americano Paul O’Dette, considerato uno dei maggiori virtuosi di questo
strumento, terrà un recital di musiche rinascimentali. Il 27 luglio
l’Orchestra FIMA diretta da Alfredo Bernardini concluderà il festival in
città con una selezione dalla ‘Juditha Triumphans’ di A. Vivaldi, uno degli
oratori più noti del ‘700 italiano che si distingue per la vivacità e la
varietà di combinazioni strumentali e vocali. L’ultimo appuntamento, il 28
luglio, è fuori città, a Sant’Angelo in Vado nella Chiesa di Santa Caterina
d’ Alessandria dove Alessandro Quarta, dirigerà l’ Ensemble vocale e
strumentale del Festival di Urbino su musiche di Giovanni Francesco Anerio.
Il prezzo dei biglietti è di € 12 e di € 10 per i giovani
La mostra
Accanto al festival e ai corsi viene presentata la mostra Strumenti della
Musica antica che avrà luogo dal 25 al 27 luglio nella Sala del Casellare di
Palazzo Ducale e andrà a completare lo splendido scenario della musica
d’arte in città. La mostra è nata nel 1993 per offrire ai costruttori di
strumenti storici una vetrina in cui mostrare il loro lavoro. Se da sempre
nell’immaginario collettivo Cremona è legata alla produzione di liuteria
classica, il nome di Urbino è legato al ritorno dell’interesse per lo studio
della musica antica in Italia. Da questo luogo negli anni Settanta sono
passati tutti i nomi più importanti del settore e se Franz Brüggen, Gustav
Leonhardt, Diana Poulton, Han Tol sono tra i veterani, Rinaldo Alessandrini,
Paolo Pandolfo, Andrea Damiani, Enrico Gatti, Alfredo Bernardini, Mara
Galassi e molti altri, rappresentano la nuova generazione di musicisti che
formatisi a Urbino, qui tornano nuovamente ogni anno per suonare e insegnare
a loro volta. Quale vetrina migliore quindi per chi costruisce gli
‘strumenti della musica antica’? La mostra è aperta a espositori di ogni
categoria strumentale, a case editrici e librerie specializzate nella
vendita di dischi e libri di musica antica, ai musicisti e agli appassionati
del settore, ma non solo. Questa può essere un’occasione per un piacevole
fine settimana anche per chi vuole conoscere un altro aspetto della liuteria
italiana. Sale del Castellare di Palazzo ducale ( venerdì 25 14.00 -20.00
Sabato 26 10.00 -18.00, domenica 27 10.00 -18.00 – INGRESSO LIBERO)
Umberto Eco e la musica antica oggi
In concomitanza con la mostra, il 27 luglio nella sala conferenze del
Palazzo Ducale, Umberto Eco presiede la giornata di studi dedicata al tema
“La musica antica oggi”. Lo scopo è quello di fare il punto della situazione
sia per quanto riguarda l'aspetto degli studi musicologici sia nel campo
della prassi esecutiva e sugli altri temi che durante questi 40 anni hanno
fatto da sfondo ai corsi di Urbino, coinvolgendo inoltre i visitatori della
mostra e i partecipanti ai corsi. Interverranno tra gli altri Rinaldo
Alessandrini (musicista e direttore), Arnaldo Morelli (musicologo),
Giancarlo Rostirolla (musicologo), Renato Meucci (organologo) e Peter
Reidemeister (ex direttore della "Schola Cantorum Basiliensis" di Basilea).
I corsi di specializzazione
Saranno oltre 300 gli allievi che prenderanno parte ai corsi di
specializzazione di Urbino. Questi incontri si svolgeranno al mattino con
lezioni individuali di canto o strumento e in laboratori pomeridiani di
musica da camera, orchestra e danza. Sono incentrati su lezioni teoriche
collettive e lezioni individuali allo strumento. L’obiettivo dei corsi è, ed
è sempre stato, quello di costituire un appuntamento per tutti i musicisti
italiani e stranieri appassionati degli strumenti antichi, volto a
perfezionare le tecniche di esecuzione ed interpretazione della musica
medievale, rinascimentale e barocca, grazie alla presenza tra i docenti dei
migliori specialisti in questo ambito.
Il progetto didattico si articola non solo nelle lezioni individuali
quotidiane, ma anche in una serie di attività collaterali culminanti nei
concerti pubblici, riservati agli allievi più meritevoli, ai quali sono
anche assegnate borse di studio su segnalazione dei docenti.
I corsi internazionali di musica antica saranno tenuti da Lieven Baert,
Barbara Sparti (danza rinascimentale); Alfredo Bernardini (Oboe barocco);
Lavinia Bertotti (Canto rinascimentale e barocco); Daniel Brüggen, Lorenzo
Cavasanti, Ludovica Scoppola, Gerd Lünenburger (Flauto dolce); Claudia
Caffagni, Livia Caffagni (Musica medievale); Paola Della Camera (Danza
popolare); Stefano Demicheli (Basso continuo); Piercarlo Fontemagi (Coro);
Diego Fratelli (Polifonia rinascimentale); Mara Galassi (Arpa rinascimentale
e barocca); Marcello Gatti (Flauto traverso); Gloria Giordano (Danza Barocca
francese); Luca Guglielmi (Clavicembalo); Stefano Montanari (Violino
barocco); Gaetano Nasillo (Violoncello barocco); Paul O'Dette (Liuto e
Tiorba); Paolo Pandolfo (Viola da gamba); Alessandro Quarta (Canto
madrigalistico); Mauro Squillante (Mandolino); Giovanni Togni (Fortepiano);
Claudio Tuzzi (Temperamenti storici).
Saranno inoltre attivati corsi di musica da camera e insiemi medievali
durante i quali verranno preparati i programmi musicali da eseguire per
‘Armonie al crepuscolo’, la rassegna di concerti eseguiti dagli allievi,
organizzati in angoli suggestivi di Urbino e che riscuotono sempre un grande
successo di pubblico.
_______URBINO MUSICA ANTICA
Festival Internazionale
XL Edizione
19 - 28 luglio 2008
• Sabato 19 luglio - ore 21.15
Urbino - Cortile d’onore di Palazzo Ducale
Brüggen Consort
Daniël Brüggen flauto dolce, Alida Schat e David Rabinovitjs violini,
Alfonso Leal del Ojo viola, Albert Brüggen violoncello, Margaret Urquhart
violone, Pietro Paganini clavicembalo
Georg Philipp Telemann Suite in la minore
Johann Gottlieb Goldberg Quartetto in do minore
Johann Sebastian Bach Concerto in re maggiore
• Lunedì 21 luglio - ore 21.15
Urbino - Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Gaetano Nasillo violoncello
Alessandro Commellato pianoforte
Ludwig van Beethoven Sonata op. 69 in la maggiore per violoncello e
pianoforte
Frédéric Chopin Polonaise brillante op.3 per violoncello e pianoforte
Gioacchino Rossini Une Larme, Thème et Variations da Péchés de vieillesse,
Vol. IX.10
per violoncello e pianoforte
Ludwig van Beethoven Sonata op. 102 n° 1 in Do maggiore, per violoncello e
pianoforte
• Martedì 22 luglio - ore 21.15
Urbino - Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Luca Guglielmi clavicembalo
Girolamo Frescobaldi Aria detta la Frescobalda
Toccata Nona
John Bull Fantastic Pavana & Galiarda (FWB)
William Byrd Ground [MB 9]
Johann Jacob Froberger Meditation “fait sur ma Mort future la quelle se joue
lentement avec discretion”
Girolamo Frescobaldi Cento Partite sopra Passacagli
Johann Sebastian Bach Toccata ex E b. BWV 914
Dieterich Buxtehude Toccata ex G BuxWV 165
Johann Pachelbel Fantasia in re minore
Johann Caspar Ferdinand Fischer Passacaglia “Uranie” in re minore, da
Musicalischer
Parnassus, ca.1736
Johann Sebastian Bach Prelude pour la Luth. ò Cembal. in Mi bem. maggiore
BWV 998
• Mercoledì 23 luglio - ore 21.15
Urbino - Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Lorenzo Cavasanti flauto
Dorothee Oberlinger flauto
Giuseppe Mulè violoncello
Stefano Demicheli clavicembalo
Giuseppe Sammartini Triosonata in re minore
Signore Detri Sonata in do minore
Matthew Locke Suite II in Sol maggiore
Jacques Hotteterre Sonata en Trio op. 3/4
Georg Philipp Telemann Sonata in re minore TWV 41: d4
Antonio Vivaldi Follia in sol minore RV 63
• Giovedì 24 luglio - ore 21.15
Urbino - Chiesa di San Francesco
Maurizio Salerno organo
Bernardo Storace Toccata e canzon in sol, Balletto, Passagaglia
Alessandro Scarlatti Follia
Domenico Scarlatti Sonata in re maggiore K287
Sonata in sol maggiore K328
Sonata in re maggiore K288
Bernardo Pasquini Tastata per Milone
Variazioni per il paggio Todesco
Georg Muffat Toccata I da Apparatus musico-organisticus
Johann Jakob Froberger Toccata V da sonarsi alla Levatione
Dietrich Buxtehude Praeludium in sol minore BuxWV 163
• Venerdì 25 luglio - ore 21.15
Urbino - Cortile d’onore di Palazzo Ducale
Pedro Memelsdorff flauto e direzione
Mala Punica
Helena Zemanova, Thomas Baeté viella, Pablo Kornfeld echequier e organo.
Felix Stricker tromba da tirarsi
Barbara Zanichelli soprano, Marketa Cukrova mezzosoprano, Gianluca
Ferrarini, Raffaele Giordani tenori
Napoli Gothique - Polifonia nella Napoli angioina, 1320-1400
Anonimo Kyrie (Barc971, 1r)
Philippe de Vitry Rex quem metrorum (Ivrea 115, 26v-27r)
Antonello da Caserta Or tolta pur me sey (Man, 70r), Più chiar che ‘l sol
(Man, 68v-
69r), Deh vogliateme oldire (Man, 69r)
Anonimo Sempre serva (Rei, 39v-40r)
Filippotto da Caserta De ma dolour - Par les bons Gedeon et Sanson
Antonello da Caserta Amour ma le cuer mis (ModA, 32v-33r), Dame zentil
(ModA, 38v)
Anonimo Ochi piangete (Rei, 37v)
Anonimo Ha fortune (Ch, 29v)
Anonimo Par che la vita mia (Str, 141v)
• Sabato 26 luglio - ore 21.15
Urbino - Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Paul O'Dette, liuto
Anonimo I cannot keep my wife at home, Up Tails All, Robin is to the
Greenewood Gone
John com Kisse mee Now
Daniel Bachelar Pavan & Galliard, Mounsieur’s Almaine
Anthony Holborne Fantasia, Il Nodo di Gordio, A Fairy Round
John Johnson Passingmeasures Galliard, A Pavan to Delight, A Galliard to
Delight,
Carman's Whistle
John Dowland A Fancy (Poulton n°5), Sir John Langton his Pavin, The King of
Denmark’s Galliard, A Fancy (Poulton n°6), Farewell, Sir Henry Guilford-his
Almaine, Pavan, Galliard, Mignarda, A Fancy
• Domenica 27 luglio - ore 21.15
Urbino - Cortile d’onore di Palazzo Ducale
Orchestra barocca FIMA
Stefano Montanari direttore
Antonio Vivaldi Juditha Triumphans, Sacrum militare oratorium, RV 644 -
selezione
• Lunedì 28 luglio, ore 21.15
Sant’ Angelo in Vado - Chiesa di Santa Caterina d’ Alessandria
Ensemble vocale e strumentale del Festival di Urbino
Alessandro Quarta direttore
Giovanni Francesco Anerio Dialoghi concertati dal “Teatro Armonico”. |
Umberto Eco, le melodie elisabettiane
riprese da Sting e quelle mediterranee dei Mala Punica per i 40 anni del
Festival di Urbino Musica Antica
Conferenza stampa di presentazione del Festival alla presenza del Sindaco di
Urbino, Franco Corbucci, di Lella Mazzoli, Assessore alla Cultura e al
Turismo del Comune di Urbino e di Andrea Damiani, Presidente della FIMA,
Fondazione Italiana Musica Antica.
Ospite d’onore dell’edizione 2008 durante la giornata di studi sulla musica
Antica (28 luglio) sarà Umberto Eco, grande amante di questo genere
musicale, cultore dilettante di flauto dolce e affezionato sostenitore della
Fondazione per la Musica Antica.
Quest’anno si festeggiano i 40 anni del Festival, appuntamento di spicco per
gli appassionati di musica antica ma sempre più rivolto al grande pubblico e
in particolare ai giovani che sono sempre alla ricerca di nuove realtà
musicali e che diventano più numerosi tra gli ascoltatori dei concerti di
Urbino. Presenza incentivata anche da una politica dei prezzi attenta a
favorire questa fascia di età.
Tra i concerti di rilievo nelle ambientazioni magiche del Palazzo Ducale di
Luciano Laurana il 19 luglio quello del Brüggen Consort, diretto da Daniel
Brüggen, con un programma di concerti virtuosistici per flauto dolce ed
archi; il 25 luglio un tuffo nella Napoli della corte angioina con Pedro
Memelsdorff e il suo gruppo Mala Punica con un programma che spazia tra le
influenze colte francesi e i ritmi di danza propri della tradizione popolare
mediterranea; il 26 luglio occasione unica per ascoltare Paul O’Dette, uno
dei maggiori virtuosi di liuto con diverse nomination ai Gramophone Award
per la sua produzione discografica, che si esibirà in un programma dedicato
a quel repertorio elisabettiano noto al grande pubblico grazie al CD
Labyrinth di Sting.
Tra un concerto e l’altro dei grandi artisti, ritornano le “Armonie al
Crepuscolo” , concerti di giovani talenti che si svolgono in ambientazioni
suggestive della città richiamando un pubblico sempre più numeroso e
attento.
________Fondazione Italiana per la Musica Antica
Città di Urbino – Assessorato Cultura e Turismo
URBINO MUSICA ANTICA
Festival Internazionale
XL Edizione
19 – 28 luglio 2008
Direttore artistico: Claudio Rufa
Enti promotori
Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Direzione Generale dello
spettacolo dal vivo
Comune di Urbino, Assessorato Cultura e Turismo
Regione Marche
Fondazione della Cassa di Risparmio di Pesaro
Provincia di Pesaro-Urbino, Centro provinciale promozione Beni Culturali
Soprintendenza per il patrimonio artistico ed Etnoantropologico delle Marche
Cappella del SS. Sacramento nella Metropolitana
Università degli Studi “Carlo Bo” di Urbino
E.R.S.U. Ente Regionale per il diritto allo studio universitario di Urbino
Arcidiocesi di Urbino, Urbania e Sant’Angelo in Vado
Comunità Montana dell’Alto e Medio Metauro di Urbania
Comitato organizzativo:
Lara Amici, Andrea Damiani, Saverio Franchi, Roberta Mazza, Renato Meucci,
Francesca Maraschini, Massimo Monti, Paola Pacetti, Claudio Rufa, Giancarlo
Rostirolla, Orietta Sartori, Barbara Sparti
Con questa edizione del Festival “Urbino Musica Antica” la FIMA festeggia il
quarantennale della sua presenza ad Urbino. Un risultato del genere, in una
realtà come quella italiana dove la musica classica non può certo essere
considerata protagonista, già rappresenterebbe da solo un motivo di
soddisfazione. A maggior ragione per una manifestazione dedicata interamente
ad un genere che non può non essere considerato di ‘nicchia’.
Le ragioni di questa longevità non possono essere di certo attribuite a
circostanze fortuite, piuttosto ad alcune linee guida che, forse senza un
piano preordinato ma di volta in volta in piena consapevolezza, hanno fatto
da sfondo alle scelte operate negli anni all’interno dell’associazione.
Occorre tornare ai primi anni ’60 per vedere i primi accenni della
riscoperta della musica antica in Italia, intesa come pratica viva:
esecutiva, didattica e concertistica. Fino ad allora nel campo degli studi
musicologici erano stati raggiunti risultati notevoli, ma nel momento di
passare all’esecuzione pratica si ricadeva inesorabilmente nel peso della
tradizione e nella condiscendenza alle sue pratiche. È in questo contesto
che nasce la Società Italiana del Flauto Dolce guidata da Giancarlo
Rostirolla, il quale intuisce la capacità di diffusione e le potenzialità di
questo strumento apparentemente innocuo, nuovo, lontano dagli ambienti
tradizionali della musica colta. Potremmo dire che il flauto dolce è stato
in qualche modo il cavallo di Troia grazie a cui la musica antica si è
insinuata in Italia. Esso era presente ai primi corsi di Urbino in maniera
massiccia, e serviva ad esemplificare tutti i generi di musica: dal medioevo
alla polifonia rinascimentale; dal ‘600 al tardo ‘700 fino alla sua
applicazione alla musica contemporanea. Gli altri strumenti, il violino, la
viola da gamba, il clavicembalo e il liuto all’inizio facevano da
comprimari, si accompagnavano ad esso. Ma ciò che era più straordinario
erano gli insegnanti: venivano quasi tutti dall’estero e portavano idee
nuove: mostravano innanzitutto che era possibile accostarsi alla musica del
passato in modo diverso, partendo dalle fonti musicali primarie e dal
confronto con lo strumento antico e con le sue caratteristiche. Ricordo di
aver letto in un’intervista a Gustav Leonhardt l’importanza che questo
grande interprete e studioso attribuiva allo sviluppo della sensibilità nei
confronti dello strumento ‘originale’ e delle risposte che può dare con
l’assiduità della sua frequentazione. Tutte idee nuove, che trovavano
rarissimi riscontri nei conservatori e negli ambienti musicali predominanti,
che invece consideravano gli strumenti antichi degli inutilizzabili reperti
archeologici. Ma il tempo ci ha dato ragione. Il metodo di indagine della
musica antica si è andato man mano raffinando ed estendendo ad epoche sempre
più tarde, nella convinzione che una esecuzione basata su un approccio più
critico e informato rispetto alle condizioni in cui l’opera è nata conduce a
risultati più soddisfacenti e interessanti anche per l’ascoltatore medio.
Tornando all’esperienza di Urbino, negli anni il flauto dolce ha
gradualmente lasciato spazio agli altri strumenti; in concomitanza anche con
l’apparizione della musica antica nei conservatori i corsi hanno acquisito
una connotazione più professionale. Allo stesso modo il festival ha
mantenuto un livello internazionale: ma tutto questo è potuto accadere
perché la ricetta originale era buona e perché nel tempo non si è rinunciato
mai al mantenimento della qualità. A queste motivazioni legate all’impegno
della FIMA voglio aggiungere che senza quella cornice unica costituita dalla
città di Urbino, che naturalmente si sposa con la nostra musica, senza
l’aiuto costante e accresciuto nel tempo da parte del Comune di Urbino,
senza l’ospitalità offertaci dalla Sovrintendenza dei Beni Artistici delle
Marche nel Palazzo Ducale, questa piccola magia non si sarebbe realizzata.
Ma vediamo un po’ più nei particolari il contenuto di questa edizione del
festival che Claudio Rufa ha preparato in occasione del quarantennale. Non
poteva esservi migliore occasione per rendere omaggio al flauto dolce, lo
strumento che più di ogni altro ha fatto parte integrante di questa lunga
avventura e che sarà protagonista assoluto di due serate. Quella di
inaugurazione del 19 luglio, che vedrà impegnato il Brügggen Consort guidato
da Daniël Brüggen, un esponente di punta di quella scuola olandese che
proprio a partire da Urbino ha contribuito a influenzare la scuola italiana
del flauto dolce. In programma alcuni concerti solistici del ‘700 tedesco. E
quella del 23 luglio con un programma di triosonate curato da Lorenzo
Cavasanti che spazia dal ‘600 inglese allo stile galante.
Di segno opposto l’altro appuntamento rilevante del festival, quello del 25
luglio con il gruppo Mala Punica diretto da Pedro Memelsdorff, il quale,
proprio partendo dal flauto dolce ha iniziato un percorso di studio e di
ricerca che lo ha portato ad essere uno dei massimi esperti di musica
medievale. Il programma Napoli Gothique, ambientato nella Napoli angioina,
ci condurrà attraverso un percorso che si dipana tra raffinatezze francesi e
inflessioni di sapore più schiettamente mediterraneo. Con il concerto del 21
luglio, con Gaetano Nasillo al violoncello e Alessandro Commellato al
pianoforte, si conferma anche quest’anno la scelta di dedicare un concerto
alla musica dell’800: naturalmente interpretata con lo spirito critico e
attento, ma altrettanto musicale, che ci si attende da un’esecuzione
‘storicamente informata’.
Gli altri appuntamenti, tutti di carattere solistico, non sono certo meno
rilevanti sia per l’interesse dei programmi sia per la levatura degli
interpreti, ma anche per le diverse prospettive di ascolto che i singoli
strumenti e i loro repertori, spesso contigui, potranno suggerire.
Il 22 luglio Luca Guglielmi proporrà un ricchissimo programma, che verrà
realizzato su due differenti clavicembali, di musica italiana e inglese del
primo ‘600 e tedesca del ‘700. Il 24 luglio sarà la volta di Maurizio
Salerno che, all’organo della chiesa di San Francesco, eseguirà un programma
articolato anch’esso tra musica italiana e tedesca. Infine il 25 il liutista
americano Paul O’Dette, considerato uno dei maggiori interpreti del liuto,
ci farà ascoltare un programma di musica elisabettiana.
Per festeggiare il quarantennale della presenza ad Urbino della FIMA abbiamo
deciso di accostare agli eventi tradizionali della nostra manifestazione una
giornata di incontro e di riflessione coordinata da Saverio Franchi, che si
terrà il 27 luglio, sullo stato della musica antica ma anche sul suo futuro.
Ed è con grande gioia che accoglieremo a presiedere la tavola rotonda un
amico e sostenitore storico dell’associazione, Umberto Eco, che certamente
ci aiuterà ad ampliare e ad approfondire il campo della nostra indagine
suggerendo spunti e percorsi nuovi.
Andrea Damiani
URBINO MUSICA ANTICA
Festival Internazionale
XL Edizione
19 – 28 luglio 2008
Direttore artistico: Claudio Rufa
Sabato 19 luglio - ore 21.15
Urbino
Brüggen Consort
Lunedì 21 luglio - ore 21.15
Urbino
Gaetano Nasillo violoncello
Alessandro Commellato fortepiano
Martedì 22 luglio - ore 21.15
Urbino
Luca Guglielmi clavicembalo
Mercoledì 23 luglio - ore 21.15
Urbino
Lorenzo Cavasanti flauto
Dorothee Oberlinger flauto
Giuseppe Mulè violoncello
Stefano Demicheli clavicembalo
Giovedì 24 luglio - ore 21.15
Urbino
Maurizio Salerno organo
Venerdì 25 luglio - ore 21.15
Urbino
Mala Punica
Pedro Memelsdorff flauto e direzione
Sabato 26 luglio - ore 21.15
Urbino
Paul O’Dette liuto
Domenica 27 luglio - ore 21.15
Urbino
Orchestra barocca FIMA
Stefano Montanari direttore
Lunedì 28 luglio 2008, ore 21.15
Sant'Angelo in Vado
Ensemble vocale e strumentale del Festival di Urbino
Alessandro Quarta direttore
note illustrative e redazione a cura di Francesco Maschio
Sabato 19 luglio - ore 21.15
Urbino
Cortile d’onore di Palazzo Ducale
Brüggen Consort
Daniël Brüggen flauto dolce
Alida Schat e David Rabinovitjs violini
Alfonso Leal del Ojo viola
Albert Brüggen violoncello
Margaret Urquhart violone
Pietro Paganini clavicembalo
Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)
Suite in la minore (TWV 55:a2)
(Ouverture), Les Plaisirs, Air a L'Italien, Réjouissance, Menuet I-Menuet
II, Passepied I-Passepied II, Polonoise
Johann Gottlieb Goldberg (1727 – 1756)
Quartetto in do minore
Largo, Allegro, Grave, Gigue
***
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Concerto in re maggiore per flauto con archi (BWV 1053, 169 e 49)
Allegro, Siciliano, Allegro
Ricercare a 6 BWV 1079 (Musikalisches Opfer)
La fama di Goldberg è legata indissolubilmente al ciclo di 30 variazioni che
Johann Sebastian Bach compose dietro incarico, e conseguente compenso,
dell’ambasciatore russo presso la corte di Dresda, il conte Hermann Karl von
Keyserlingk.
Johann Gottlieb Goldberg era in quel tempo al servizio del conte in qualità
di cembalista: secondo una tradizione abbastanza consolidata, Goldberg
suonava il cembalo durante le lunghe ore notturne per distrarre il nobiluomo
che soffriva di insonnia.
Johann Nikolaus Forkel, il primo biografo di J.S. Bach (1802), sostenne che
le variazioni furono in buona sostanza composte per Goldberg intorno al
1741, questo è dunque il motivo per cui, invece del chilometrico titolo
originale dell’Aria con Variazioni – "Clavier Ubung bestehend in eine Aria
mit erschiedenen Veraenderungen vors Clavicimbal mit zwei Manualen” –, si è
utilizzato quello di Variazioni Goldberg, anche se forse sarebbe stato più
corretto chiamarle Variazioni Keyserlingk, se non altro perché fu
quest’ultimo a corrispondere a Bach la cifra pattuita per la composizione.
Riguardo le notizie su Goldberg, sappiamo per certo che fu battezzato il 14
marzo del 1727, dunque è lecito supporre che potesse avere circa quattordici
o, al massimo, quindici anni all’epoca della composizione delle variazioni.
Sappiamo inoltre che Goldberg fu allievo, sempre a Dresda, prima di Wilhelm
Friedmann Bach e successivamente, nel biennio 1742-43, di Johann Sebastian.
In effetti le composizioni di Goldberg che ci sono pervenute oscillano, dal
punto di vista stilistico, tra un trattamento della polifonia e dell’uso del
contrappunto molto influenzato dall’esempio di Bach padre e una concezione
melodica e armonica assai vicina a quella tendenza definita come Stile
Sensibile di cui proprio Wilhelm Friedmann, insieme al fratello Carl Philipp
Emanuel, furono i principali esponenti: in altre parole tra una visione per
certi versi arcaica, basata sul presupposto che i principi matematici e
fisici potessero governare anche la composizione musicale, e una visione
molto più contemporanea, per cui la musica potesse rappresentare in modo
adeguato e puntuale i repentini mutamenti dello stato sentimentale e
psicologico tipici dell’ipersensibilità preromantica che si stava
sviluppando in quegli anni in Germania.
Nel 1751 Goldberg lasciò il servizio presso il conte Keyserlingk per
l’incarico di Kammermusikus presso la cappella musicale del conte von Bruhl,
restando a Dresda fino al giorno della sua morte.
Dresda fu anche la meta professionale agognata da un Johann Sebastian Bach
profondamente ferito dal comportamento dei notabili di Lipsia, la lettera
risalente alla primavera del 1733 che accompagnò il manoscritto della Messa
in si minore, dedicata al principe elettore di Sassonia e futuro re di
Polonia, conteneva chiare indicazioni in tal senso:
“ Per alcuni anni e fino ad ora ho avuto la direzione della musica nelle due
principali chiese di Lipsia, ma ho dovuto sopportare diverse offese, senza
mia colpa, e di volta in volta una diminuzione dei benefici supplementari
che sono connessi a questa carica; ma tali cose potrebbero scomparire del
tutto se Vostra Altezza Reale mi concedesse la grazie di conferirmi un
titolo della Sua Real Cappella, e volesse impartire l’alto ordine a chi di
competenza per la trasmissione del relativo decreto…”
Il conferimento del prestigioso incarico avrebbe costituito una leva
sufficientemente robusta per sollevare se stesso dalle angherie subite a
Lipsia ma, inaspettatamente, la petizione fu ignorata: fu proprio il conte
Keyserlingk che, in nome di un consolidato rapporto di stima e amicizia,
suggerì a Bach di inoltrare una seconda richiesta ch’egli stesso patrocinò.
Così, a partire dal novembre del 1736, Johann Sebastian Bach poté utilizzare
ufficialmente il titolo di Compositeur della Cappella della Corte Reale
(elettore di Sassonia e re di Polonia).
Proprio in quegli anni, e più esattamente tra il 1733 e il 1739, si ebbero
le esecuzioni pubbliche dei sette concerti per clavicembalo presso la sede
del Collegium Musicum di Lipsia.
In realtà la gran parte del suo repertorio cameristico, oltre naturalmente a
quello concertistico, fu eseguito quasi ogni settimana pubblicamente come
normale attività del Collegium.
Il Collegium guidato da Bach tra il 1729 e il 1740 era stato fondato nel
1702 da un giovane studente: Georg Philipp Telemann.
La cura con cui Bach preparava l’esecuzione pubblica degli Ordinaire
Concerten era orientata ad assicurare ciò che un avviso pubblico della
ripresa dei concerti annunciava, ad esempio, per il 17 giugno 1733:
“L’inaugurazione comprenderà… un ottimo concerto. I concerti continueranno
settimana dopo settimana, con un nuovo Clavicymbel, del quale non è stato
ascoltato l’eguale, e gli amanti della musica, insieme ai virtuosi, sono
attesi .”
Se i Collegia Musica nacquero all’origine come associazioni di musicisti
dilettanti, nella massima parte studenti, si svilupparono in Germania nel
corso del sec. XVIII, crescendo anche dal punto di vista numerico, come
organizzazioni di musicisti professionisti che proponevano con regolarità
l’ascolto pubblico e a pagamento di esecuzioni musicali di alto livello.
Erano le prime istituzioni concertistiche pubbliche della storia della
cultura musicale occidentale.
L’impostazione di base data da Telemann ai Collegia da lui fondati a Lipsia
e ad Amburgo consisteva essenzialmente nel procurare diletto agli
ascoltatori; la gestione di Bach prevedeva invece una ricerca
dell’inascoltato, ovvero una particolare attenzione agli elementi che
potessero incuriosire gli amateurs ma attrarre l’attenzione dei musicisti
professionisti, i virtuosi.
In questo senso i concerti per cembalo, e le loro possibili trascrizioni per
altri strumenti, sono assolutamente emblematici riguardo il potenziale di
coinvolgimento che possiedono rispetto ai due livelli di ascolto possibile:
la piacevolezza derivata dalle caratterizzazioni tematiche, la brillantezza
spesso spettacolare che li contraddistingue poteva e può tuttora eccitare
l’ascolto dei non addetti ai lavori; la sapienza della costruzione
contrappuntistica, l’ingegnosità delle soluzioni compositive adottate,
invece, poteva e può ancor oggi insegnare molto a chi si occupa di musica
per professione.
Il motivo per cui il concerto di Bach presente nel programma ha tre
differenti numeri di catalogo risiede nel fatto che si tratta di una
trascrizione e adattamento da tre diverse fonti: il concerto per cembalo in
mi maggiore BWV 1053 – a sua volta derivato dall’originale versione per oboe
o flauto andato perduto – e due diverse cantate, entrambe composte
nell’autunno del 1726, “Gott soll allein mein Herze Haben” BWV 169 e “Ich
geh und such mit Verlangen” BWV 49.
Ciò non deve scandalizzare anzi, sotto certi aspetti è un’operazione
coerentemente filologica, poiché lo stesso Bach usava riadattare per la
pubblica esecuzione nei Concerti del Collegium Musicum che dirigeva brani
composti precedentemente, trascrivendoli per differenti strumenti.
Il Ricercar a 6 è, in buona sostanza, la “Fuga a sei voci obbligate”
richiesta da Federico il Grande di Prussia nel corso di una serata, per
molti versi storica, durante la quale Bach improvvisò brani
contrappuntistici utilizzando il Thema Regium.
Forkel racconta ciò che accadde durante quella sera del 7 maggio 1747 a
Potsdam: “…il re, per quella sera, rinunciò al suo concerto e invitò Bach… a
provare i suoi fortepiani, costruiti da Silbermann, che si trovavano in
varie stanze del palazzo. I musicisti lo seguirono di stanza in stanza, e
Bach fu invitato a provarli e ad eseguire composizioni estemporanee. Dopo
aver suonato per qualche tempo, egli chiese al re di dargli il soggetto per
una Fuga che avrebbe eseguito immediatamente e senza alcuna preparazione. Il
re ammirò la sapienza con cui il soggetto veniva elaborato ex tempore; e,
probabilmente, per vedere fino a che punto poteva spingersi tale maestria,
espresse anche il desiderio di ascoltare una Fuga a sei voci obbligate. Ma
poiché non tutti i soggetti si prestavano ad un’armonia così completa, lo
stesso Bach ne scelse una e la eseguì con la stessa magnificenza ed
erudizione con cui aveva suonato quella del re, suscitando lo stupore di
tutti gli astanti.”
Dunque la richiesta del re di Prussia venne esaudita dopo il ritorno a
Lipsia di Bach e completata dall’ampliamento di ciò che sarebbe diventata
l’Offerta Musicale: il titolo Ricercar - attribuito oltre a quello a sei
voci anche alla prima composizione della raccolta, a tre voci, nasce non
solo dall’allusione all’antico genere contrappuntistico ma anche
dall’acrostico Regis Iussu Cantio Es Reliqua Canonica Arte Resoluta (su
richiesta del re, la canzone [Fuga] e gli altri brani [Canoni] risolti
secondo l’arte canonica).
Dal punto di vista dell’ascolto, il ricercare a 6, originariamente concepito
per tastiera, è di una complessità persino paradossale: un orecchio in ogni
caso abituato ad ascoltare strutture contrappuntistiche, è in grado
normalmente di seguire tre voci distinte.
Pertanto chi ascolta il ricercare una prima volta è in grado di cogliere
solo una parte del tutto; ad un secondo ascolto può concentrarsi magari su
altre voci ma ben difficilmente potrà seguire in modo distinto il procedere
di ciascuna delle sei voci e dovrà accontentarsi del pur straordinario
effetto di insieme, cogliendo qua e là frammenti di interazione tra le varie
voci.
Ciò comporta il fatto che il ricercare offre una vasta possibilità di
attribuzione di significati da parte di chi ascolta: l’attenzione ad un
numero ristretto di voci delle sei che compongono l’intero tessuto
contrappuntistico è contemporaneamente un limite e una ricchezza, in grado
di moltiplicare quasi all’infinito gli angoli visuali attraverso i quali è
possibile osservare questo straordinario oggetto sonoro.
Il ruolo ch’ebbe Telemann nella cultura musicale europea è particolarmente
importante grazie soprattutto all’instancabile attività di organizzatore e
promotore di iniziative che costituirono il modello del fare e vivere la
musica dei decenni successivi: l’avvio di centri e istituzioni
concertistiche pubbliche, una gestione oculata e lungimirante delle attività
musicali nella città di Amburgo, l’interesse per le nuove tecnologie di
stampa delle partiture musicali, l’attenzione per il coinvolgimento di un
pubblico potenziale di ascoltatori ed esecutori, i rapporti intensi e
fecondi con colleghi e altri artisti, specialmente letterati e poeti, sono
alcuni degli elementi che lo caratterizzano come uno dei principali artefici
della radicale trasformazione dalla concezione tipicamente barocca, tardo
feudale, a quella preclassica e aperta alle nuove istanze sociali post
illuministe.
Se Johann Sebastian Bach si confrontò con le realtà politiche e
istituzionali del suo tempo, a volte con difficoltà, come nel caso dei primi
anni a Lipsia, concependo il fare musica come scienza oltre che arte,
Telemann tentò invece, a volte con successo, di modificare quelle realtà. In
ogni caso trovò nella repubblica di Amburgo il punto di partenza ideale per
allargare il bacino di fruizione della sua concezione musicale intesa
principalmente come capacità di esprimere e rappresentare sentimenti ed
emozioni dell’uomo a lui contemporaneo.
Lunedì 21 luglio - ore 21.15
Urbino
Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Gaetano Nasillo violoncello
Alessandro Commellato fortepiano
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827)
Sonata op. 69 in la maggiore per violoncello e fortepiano
Allegro, ma non tanto; Scherzo: Allegro molto; Adagio cantabile; Allegro
vivace
Frédéric Chopin (1810 – 1849)
Polonaise brillante op.3 per violoncello e fortepiano
Introduction: Lento, Alla polacca: Allegro con spirito
***
Gioacchino Rossini (1792 – 1868)
Une Larme, Thème et Variations da Péchés de vieillesse, Vol. IX.10
per violoncello e fortepiano
Ludwig van Beethoven
Sonata op. 102 n° 1 in do maggiore, per violoncello e fortepiano
Andante, Allegro vivace, Adagio, Allegro vivace
Strumenti: violoncello Antonio Ungarini, Fabriano ca. 1750; fortepiano:
copia da un originale di Dulken eseguita da Francesco Zanotto
La sonata per violoncello e fortepiano op. 69 fu composta da Beethoven tra
la fine del 1807 e l’inizio dell’anno successivo e dedicata al barone Ignaz
von Gleichenstein, violoncellista dilettante con il quale il compositore
aveva un intimo rapporto di amicizia da oltre un decennio.
Il barone von Gleichenstein ebbe un ruolo importante in alcuni momenti della
vita di Beethoven, fu lui infatti a gestire, facendo da tramite, le
complesse trattative tra il compositore e il triumvirato di alti
aristocratici che si concluse nel 1809 con la firma dell’impegno
dell'arciduca Rodolfo e dei principi Ferdinand von Kinsky e Joseph Max von
Lobkowitz a corrispondere a Beethoven un vitalizio di 4000 fiorini annui con
l’unica condizione, da parte del beneficiario, di non abbandonare la
capitale austriaca.
Nel 1797 Gleichenstein aveva presentato a Beethoven Giovanni Malfatti, il
celebre medico si sarebbe occupato della salute di Beethoven per quasi un
ventennio, in verità insieme ad una dozzina di altri colleghi.
Le due nipoti di Malfatti, Anna e Teresa, furono oggetto dei corteggiamenti
dei due amici ma solo Gliechenstein riuscì nel suo intento e a sposare Anna
nel 1811.
Beethoven, in modo per lui del tutto inaspettato, aveva ricevuto l’anno
precedente un secco rifiuto dalla diciottenne Teresa, per la quale aveva
scritto la bagatella il la minore, diventata celeberrima con l’erroneo
titolo di “Per Elisa” (WoO 59): il matrimonio tra Gliechenstein e la sorella
di colei che l’aveva rifiutato causò la rottura del rapporto di amicizia tra
il barone e il compositore.
Sempre a proposito di rapporto, quello tra i due strumenti, violoncello e
fortepiano, risulta essere oltremodo equilibrato e paritario in tutte e sei
le sonate beethoveniane, fin dalle due dell’op. 5 che risalgono alla
primavera del 1796.
Ma è proprio con l’op. 69 che Beethoven mette a punto un modello in cui il
dialogo tra i due strumenti e l’interscambio funzionale
(solista-accompagnamento) sono tra gli elementi più rilevanti.
Beethoven rinuncia ai virtuosismi strumentali e agli eccessi ornamentali
presenti in molte pagine di Boccherini, ad esempio, ma non limita il ruolo
del violoncello ad una mera funzione di sostegno e accompagnamento della
parte pianistica, com’era invece in uso nel repertorio tardo galante e
contemporaneo.
Chiede invece al violoncellista, per quanto la dedica fosse ad un pur abile
dilettante, uno sforzo nella comprensione dei nessi e dei significati della
struttura musicale, sforzo che richiedeva e richiede tutt’ora abilità non
solo ed esclusivamente tecniche ma anche intellettuali.
Dal punto di vista della struttura generale è interessante notare come nella
sonata manchi un vero e proprio movimento lento, il breve adagio è in realtà
un’introduzione all’ultimo movimento, e come sia quasi sempre il violoncello
ad enunciare i materiali tematici principali.
Nel manoscritto originale Beethoven scrisse un curioso motto in latino,
”Inter lacrymas et luctus”: non è ben chiaro per quale motivo il brano
potesse essere stato composto tra lacrime e lutti, forse per la minaccia di
una nuova occupazione napoleonica di Vienna che si concretizzerà nel 1809, è
certo invece che ben difficilmente se ne possono trovare tracce ascoltando
la sonata op. 69.
Le due sonate dell’op. 102, composte nell’estate del 1815, sono state
dedicate da Beethoven alla contessa Anna Maria von Erdody, così come i
precedenti trii con pianoforte dell’op. 70 (1808).
La nuova dedica avrebbe potuto rappresentare una sorta di risarcimento per
le straordinarie prove di pazienza che la donna pare abbia sopportato a
causa dei comportamenti eufemisticamente eccentrici del compositore, poiché
entrambe le sonate, contrariamente alle precedenti, furono pensate per un
violoncellista professionista, Joseph Linke.
Questi era il violoncellista del quartetto d’archi, al servizio del principe
Razumovsky, guidato dal violinista Schuppanzig che abitualmente eseguiva i
grandi capolavori composti da Beethoven per quell’organico.
La sonata in do maggiore fu eseguita in pubblico la prima volta nel 1816 da
Linke accompagnato al pianoforte da Carl Czerny, ex allievo dello stesso
Beethoven e futuro insegnante di Liszt.
Così come nell’op. 69, la sonata op.102 n.1 non ha un vero e proprio
movimento lento: la struttura generale della composizione è costruita sulla
base di una coppia di movimenti, all’Andante iniziale, dal carattere
fortemente meditativo, segue il primo dei due Allegro vivace,
inaspettatamente nella tonalità relativa minore (la min.); il tema
dell’andante sarà brevemente riproposto tra la brevissima introduzione in
Adagio e l’ultimo Allegro vivace, soluzione che Beethoven adotterà di lì a
poco anche nella sua Nona Sinfonia.
La sonata appartiene pienamente allo stile delle ultime composizioni
beethoveniane, nelle quali i nessi che sorreggevano le strutture sono ormai
abbandonati a favore di altre tecniche e soluzioni compositive che potessero
sostenerle e dar loro nuovo significato.
Il ricorso alle tecniche contrappuntistiche e variative caratterizza
l’ultimo periodo creativo di Beethoven ed è alla base della sonata per
violoncello op. 102 n.1; l’identificazione tematica, così evidente nelle
composizioni precedenti, non è definita: al centro dell’interesse di
Beethoven non c’è più solo l’invenzione melodica basata sul principio del
contrasto, funzionale alla struttura della forma sonata così come sviluppata
dal classicismo viennese, ma la trasformazione dei materiali tematici in
funzione delle necessità strutturali più complesse, derivate dall'utilizzo
del contrappunto e delle complesse tecniche di variazione che caratterizzano
le ultime, straordinarie, composizioni beethoveniane.
Perché ciò possa accadere i temi principali devono essere forse meno
piacevoli e identificabili ma di certo molto più essenziali, in modo da
poterne garantire la manipolazione e l’utilizzo in contesti
contrappuntistici.
Dunque le ultime composizioni di Beethoven (siano essi quartetti o sonate,
bagatelle o variazioni) hanno forse temi meno accattivanti rispetto alle
precedenti e richiedono una maggiore concentrazione da parte di chi ascolta:
ciò che conta non è più la possibilità di affascinare l’ascoltatore per
mezzo dell’immortale melodia ma catturarne la profonda attenzione per mezzo
di un altrettanto profondo pensiero musicale.
L’esperienza di Beethoven nel campo della sonata per violoncello e
pianoforte aprirà la strada ad un repertorio di grandissima importanza: il
romanticismo, a partire dalle due sonate di Mendelssohn fino a quelle di
Brahms, sfruttò a pieno il potenziale espressivo dello strumento.
Anche Chopin ne rimase affascinato tanto che l’unica composizione
cameristica della sua maturità è proprio la sonata per violoncello e
pianoforte op. 65 in sol minore, iniziata nel 1835 ma completata solo 11
anni dopo.
L’Introduction et Polonaise brillante invece un’opera giovanile, risale al
biennio 1829-30, quando Chopin si preparava al grande balzo verso la
conquista delle principali capitali europee.
Dunque lo scopo della composizione, come di altre di quel periodo, era
principalmente quello di presentare le proprie credenziali e dimostrare
all’ascoltatore le proprie capacità inventive intese soprattutto in chiave
di un virtuosismo brillante, come in modo esplicito suggerisce il titolo
stesso della composizione.
Un uso delle potenzialità del violoncello eccessivamente direzionate verso
un facile romanticismo di maniera poteva essere il facile bersaglio della
feroce ironia di Gioacchino Rossini, e così in effetti fu!
Le Larmes sono inserite nel nono dei 14 volumi che raccolgono le eterogenee
composizioni rossiniane degli anni successivi al ritiro dalle scene
teatrali, i Péchés de vieillesse.
Il titolo e l’intero brano sono un ambiguo sberleffo, ambiguo come la
maggior parte dei titoli ideati da Rossini per le sue composizioni raccolte
nei Péchés, alla tendenza alla facile commozione che troppo spesso inondava
scene e partiture musicali del romanticismo francese a cui Rossini si
sentiva volontariamente escluso e fortemente lontano.
L’ironia era l’arma con cui Rossini difendeva il suo isolamento, il suo
sentirsi sopravvissuto ad un mondo che giudicava irrimediabilmente estraneo;
lo stesso Hanslick testimoniò, dopo averlo incontrato nel suo rifugio dorato
di Passy, che Rossini faceva largo uso di quell’arma, sicché non era mai
chiaro “se intendesse deridere se stesso o il suo interlocutore”.
Martedì 22 luglio - ore 21.15
Urbino
Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Luca Guglielmi clavicembalo
Girolamo Frescobaldi (1583 – 1643)
Aria detta la Frescobalda(1627)
Toccata Nona (1615)
John Bull (1562-3 – 1628)
Fantastic Pavana & Galiarda (FWB)
William Byrd (1540 circa –1623)
Ground [MB 9]
Johann Jacob Froberger (1616 –1667)
Meditation “fait sur ma Mort future la quelle se joue lentement avec
discretion”
Girolamo Frescobaldi
Cento Partite sopra Passacagli (1637)
****
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)
Toccata ex E b. BWV 914
[senza indicazione], un poco allegro, adagio, Fuga a 3: allegro
Dieterich Buxtehude (1637 – 1707)
Toccata ex G BuxWV 165
Johann Pachelbel (1653 – 1706)
Fantasia in re minore
Johann Caspar Ferdinand Fischer (1656 – 1746)
Passacaglia “Uranie” in re minore, da Musicalischer Parnassus, ca.1736
Johann Sebastian Bach
Prelude pour la Luth. ò Cembal. in mi bemolle maggiore BWV 998
Prelude, Fuga, Allegro
Strumenti: Clavicembalo italiano, copia da un originale siciliano del ‘600,
eseguita da Roberto Livi, Pesaro 1995; Clavicembalo francese, copia da un
originale anonimo del 1667 conservato a Boston, eseguita da Roberto Livi,
Pesaro 1998
La nascita e lo sviluppo della letteratura tastieristica nel periodo tardo
rinascimentale è un fenomeno certamente complesso ma è comunque possibile
indicare tre strade attraverso le quali la scrittura strumentale si emancipò
da quella vocale per giungere alla definizione di altrettante tipologie di
strutture musicali.
La prima, risalente al tardomedioevo, è legata alle prassi improvvisative da
parte dell’organista nell’introdurre, tramite ad esempio successioni di
accordi collegati da frammenti di scale, il tono, ovvero il riferimento
all’altezza del suono base necessario perché un coro di fedeli o comunque di
partecipanti potesse cantare insieme nel corso delle funzioni liturgiche.
La seconda via è la pratica di trascrizioni e adattamenti di brani
polifonici originariamente destinati alle voci (madrigali, chansons,
mottetti…) mentre l’ultima è costituita dall’esecuzione di brani destinati
ad accompagnare le danze, brani nei quali l’esecutore poteva improvvisare
variazioni sulla melodia originale o sulla successione di accordi che la
sorreggeva.
La prima prassi generò quella forma che prese nome di Toccata mentre
l’adattamento delle composizioni vocali polifoniche generò parte del
repertorio basato sulle tecniche contrappuntistiche (Ricercari e Fantasie).
Infine il grande patrimonio legato alle danze (Correnti, Pavane, Gagliarde…)
e alle tecniche di variazione su bassi ostinati (Ciaccone, Passacaglie,
Follie) o su melodie e chansons più o meno popolari completa in massima
parte il panorama dei generi musicali per mezzo dei quali la letteratura
tastieristica si affermò, già agli inzi del sec. XVII, nella sua piena
autonomia e peculiarità di scrittura.
Si parla di letteratura tastieristica: è bene specificare il fatto che
l’ulteriore distinzione tra letteratura cembalistica e organistica è
possibile solo in parte, almeno per una significativa percentuale di
composizioni fino certamente a tutto il sec. XVII, se non oltre.
Il confronto e la sintetica analisi sotto questo profilo dei brani presenti
nel recital cembalistico di questa sera e nel concerto organistico del 24
luglio potrà consentire un primo orientamento e una possibile chiave di
lettura per l’ascolto delle musiche proposte in entrambi.
L’Aria detta La Frescobalda è un breve ciclo di variazioni in cinque parti:
nella terza e nell’ultima l’autore trasforma l’aria originale in due danze,
rispettivamente una Gagliarda e una Corrente.
Dal punto di vista del repertorio, l’origine del brano è chiaramente
derivato dalla terza delle modalità sopra indicate: a rafforzamento di ciò è
interessante notare come l’inserimento di riferimenti a danze in contesti di
variazione fosse una prassi che Frescobaldi utilizzò anche in altri brani
similari (Aria detto Balletto, Partite sopra l’Aria della Romanesca…);
infine, per quanto riguarda le specifiche di destinazione strumentale,
l’esecuzione all’organo è altrettanto plausibile rispetto a quella
cembalistica.
Anche la IX Toccata tratta dal I Libro potrebbe essere eseguita
indifferentemente al cembalo o all’organo: alcune delle toccate presenti nel
II libro – la IV ,V e VI – hanno nella titolazione e nella scrittura stessa
quegli elementi che ne indicano una destinazione organistica piuttosto che
cembalistica.
D’altra parte l’esecuzione della nona toccata del II libro può essere
esaltata dall’esecuzione al cembalo piuttosto che all’organo in ragione
della scrittura estremamente virtuosistica (Non senza fatiga si giunge al
fine).
Anche le monumentali 100 Partite su Passacagli hanno una destinazione
prevalentemente cembalistica, in virtù della brillante ricchezza di
differenti affetti che le contraddistinguono: la composizione è una sorta di
lunga improvvisazione che alterna alle variazioni su passacaglia vera e
propria anche quelle su ciaccona, con passaggi “ad altro tono” ovvero
modulazioni, relativamente audaci rispetto le convenzioni e i limiti di
accordatura in uso in quel periodo.
Fino almeno ai primi decenni del sec. XVII, soprattutto in Italia, è in
qualche modo possibile tracciare una linea di demarcazione tra passacaglia e
ciaccona: la prima era basata su una successione di accordi costruita su
quattro suoni discendenti per grado congiunto (es. re, do, si bemolle, la) e
l’impianto tonale era normalmente in minore, la seconda era invece costruita
su un’articolazione differente, su un impianto tonale prevalentemente in
maggiore.
In epoche successive tale distinzione non sarà statisticamente valida e non
pare altrettanto valida l’ipotesi avanzata da alcuni musicologi per cui la
ciaccona, ad esempio, fosse basata su una successione di suoni nel registro
basso che si ripetono mentre la passacaglia su una successione accordale,
ovvero un giro armonico, fisso e una libera organizzazione della linea del
basso.
Le variazioni di William Byrd (Ground), non a caso il più celebre tra gli
autori del periodo elisabettiano insieme a Dowland, sono sempre su basso
ostinato, con una destinazione d’uso specificatamente dichiarata – il
virginale, strumento assimilabile al clavicembalo – mentre l’altro esempio
tratto da quello straordinario e ricchissimo repertorio è costituito dalla
classica coppia di danze (Pavan and Galliard) di John Bull.
La sontuosa versione della coppia di danze regina del repertorio
elisabettiano da parte del geniale compositore non tradisce il suo titolo,
fantastic.
Il brano di Froberger deriva da un’antichissima tradizione del Plaint o
Complaint, risalente addirittura alla nascita della cultura cortese in epoca
medievale: brani commemorativi per la scomparsa di personaggi illustri o, in
ogni caso, legati da particolare rapporto affettivo con l’autore.
Froberger compose due lamenti in occasione della morte dell’imperatore
austriaco Ferdinando III (1657) e di suo figlio (1654), e uno per la
scomparsa dell’amico Monsieur Blancheroche.
Più insolita è l’Allemande della XX Suite che reca in un manoscritto non
autografo il titolo: “Meditation fait sur ma Mort future…” e la titolazione
della XXX suite: “Plainte faite a Londres pour passer la Melancholie”.
In entrambe le composizioni l’uso di brevi linee melodiche, quasi spezzate,
delle dissonanze e dei cromatismi riproducono quel sentimento di cupa
tristezza e rimpianto portando al massimo grado il potenziale espressivo del
clavicembalo.
La seconda parte del programma è dedicata ad alcuni tra i principali punti
di riferimento di Johann Sebastian Bach ed al confronto con due sue
composizioni considerate, a torto, minori.
La Fantasia di Pachelbel non ha nulla a che vedere con le Fantasie del primo
seicento: queste ultime erano composizioni prevalentemente
contrappuntistiche mentre la prima è una composizione dalla struttura libera
– come lo saranno quelle di Johann Sebastian Bach e dei suoi figli – di
carattere virtuosistico e improvvisativo, per certi versi simile come
concezione, non certo come scrittura, al modello di Toccata del primo
seicento italiano.
Ci sono pervenute solo due Toccate per clavicembalo di Buxtehude alquanto
fedeli, come d’altra parte tutto il resto della sua produzione cembalistica,
ai modelli di Froberger.
L’influenza di Fischer nell’opera cembalistica di Bach padre è testimoniata
dall’introduzione dell’Ouverture in stile francese nelle suites,
accorgimento che Fischer adottò quasi certamente per primo in Germania.
Bach aveva ben presente i lavori di Fischer dell’op. II (1696) e quelli che
seguirono ad una distanza di quasi quaranta anni (Blumenstrauss e
Musicalischer Parnassus); l’interesse per lo stile francese da parte di
Fischer, unitamente ad una sapienza tipicamente tedesca nel gioco della
condotta delle parti, è inoltre evidente nel ciclo di variazioni su
passacaglia “Uranie”.
Lo stile cembalistico francese della seconda metà del seicento era
fortemente influenzato dalla scrittura del liuto e, per questo motivo,
definito come brisè.
Il Preludio, Fuga e Allegro BWV 998 è un brano la cui destinazione è
indifferentemente per liuto o cembalo e fu composto tra il 1740 e il 1745.
La composizione della seconda delle sette toccate per clavicembalo risale a
molti anni prima, certamente non dopo il 1708.
Le toccate per cembalo di Bach hanno una struttura piuttosto libera ma
contengono tutte fughe più o meno lunghe e complesse: quella che conclude la
toccata in mi minore è proporzionalmente lunga, rispetto all’intero brano, e
segue un adagio in stile recitativo.
La prima sezione ha carattere improvvisativo e una funzione introduttiva –
quasi un ritorno alle origini della funzione della toccata – alla successiva
sezione contrappuntistica dal carattere serioso.
Mercoledì 23 luglio - ore 21.15
Urbino
Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Lorenzo Cavasanti flauto
Dorothee Oberlinger flauto
Giuseppe Mulè violoncello
Stefano Demicheli clavicembalo
Giuseppe Sammartini (1693 – 1750)
Triosonata in re minore
Adagio, Allegro, Largo, Allegro
Signore Detri (prima metà del XVIII secolo)
Sonata in do minore
Adagio, Presto, Adagio, Giga
Matthew Locke (1622 – 1677)
Suite II in sol maggiore
Fantazie, Courante, Ayre, Saraband
* * *
Jacques Hotteterre (1674 – 1763)
Sonata en Trio op. 3/4
Gravement, Fugue: Gay, Grave, Gigue
Georg Philipp Telemann (1681 – 1767)
Sonata in re minore TWV 41: d4
Affettuoso, Presto, Grave, Allegro
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Follia in sol minore RV 63
La produzione musicale settecentesca si differenzia per molti aspetti
rispetto a quella dei decenni precedenti ma, tra molti, è possibile
individuarne uno come il più qualificante, nel senso che ha determinato quei
decisivi mutamenti stilistici che rendono possibile l’identificazione di una
composizione scritta nella seconda metà del sec. XVII da una composta nella
prima metà del secolo successivo.
Tale aspetto è dato dal progressivo allargamento del bacino dei fruitori
musicali, attivi o passivi, ovvero esecutori o semplici ascoltatori.
Già a partire dall’inizio del sec. XVII il fiorire dei Collegia Musica nei
territori dell’Europa centrale e dei Consorts in quelli inglesi avevano
costituito le basi per una forma di collaborazione tra musicisti
professionisti e dilettanti con il fine, soprattutto per questi ultimi, di
“… aver qualcosa da fare per le loro dita”, essi infatti “si divertivano un
mondo a prender parte attiva in una musica che era piena di sostanza e di
energia” (Alfred Einstein).
Le associazioni dei Collegia, prevalentemente costituite da studenti
provenienti dal mondo borghese e aristocratico con cui collaboravano
musicisti professionisti, svolsero un ruolo importante per la diffusione
delle pratiche musicali nelle regioni fortemente influenzate dal
luteranesimo.
Oltre a queste strutture ve n’erano altre nelle quali era possibile fare e
ascoltare musica: i saloni delle residenze aristocratiche europee.
Invitare musicisti della corte reale a far musica presso i propri palazzi o
avere al servizio professionisti rinomati, i quali potevano inoltre
insegnare ai giovani rampolli del casato la nobile arte musicale e con loro
magari esibirsi, era un segnale del prestigio e delle disponibilità
finanziarie della famiglia, così come l’abbondanza di spezie nella tavola ne
segnalava la ricchezza in epoche più lontane.
Sintomatico in questo senso ciò che viene narrato con evidenti intenti
satirici nel “Borghese gentiluomo” di Molière e Lully (1670): il goffo
protagonista della commedia è obbligato ad assicurare alla propria
discendenza una degna istruzione musicale affinché la propria famiglia possa
ambire al tanto agognato innalzamento sociale.
Dunque alla funzione ludica e di alto intrattenimento del far musica si
affiancò anche quella sociale: a mano a mano che le risorse economiche e la
distribuzione dei redditi si allargava alla nuova borghesia, cresceva
progressivamente il potenziale bacino di utenza e con esso la disponibilità
di strumenti e prodotti utili a favorire l’incremento delle attività
musicali nelle dimore private.
Il flauto a becco è stato certamente uno di quegli strumenti, come d’altra
parte il traverso: entrambi avevano costi accessibili e i miglioramenti
costruttivi apportati nel corso della seconda metà del sec. XVII l’avevano
reso molto più affidabile sul piano dell’intonazione e della possibilità di
affrontare un repertorio non necessariamente a lui destinato.
Le edizioni a stampa delle sonate corelliane nella versione per flauto sono
uno dei tanti esempi di adattamento di composizioni di grande successo, nate
per altri strumenti, alle specificità strumentali del flauto.
Allo stesso modo i successi commerciali conseguiti dalle edizioni olandesi
di Roger e Le Cène nella prima metà del sec. XVIII si basarono proprio
sull’allargamento del bacino d’utenza.
Paradossalmente le fortune del flauto a becco iniziarono a declinare proprio
nel corso della prima metà del ‘700: l’uso dello strumento si ridurrà fino
quasi a scomparire negli ultimi anni del secolo.
Eppure lo scioglimento di questo paradosso può essere agevolmente praticato
ascoltando il programma di questo concerto e concentrando l’attenzione su
alcuni specifici aspetti della scrittura musicale: l’articolazione delle
linee del basso continuo e il suo rapporto con i soli, la presenza di
elementi tipicamente contrappuntistici nell’organizzazione dialogica delle
varie voci, l’articolazione e la lunghezze dei temi e delle linee melodiche,
il rapporto tra potenziale espressivo e dinamico degli strumenti e la
struttura generale del brano.
La suite di Locke, che richiede competenze strumentali tipicamente
professionistiche, è il brano certamente più antico ed è caratterizzato da
un’articolazione del basso assai complessa, in stretta relazione con il
movimento delle parti dei soli.
Oltre a ciò gli elementi virtuosistici sono inscritti in un contesto
polifonico generale che prevede l’uso di formule contrappuntistiche
piuttosto evidenti nel gioco di riproposizione dei principali elementi
tematici tra le varie voci.
Il potenziale espressivo è dunque affidato non tanto e non solo alla singola
voce-melodia ed al suo dispiegamento, quanto soprattutto all’insieme degli
elementi che costituiscono il brano nel suo complesso; gli stessi elementi
melodici, per poter essere utilizzati in un contesto polifonico, sono
configurati più come sorta di soggetti contrappuntistici che come melodie
sorrette da un accompagnamento.
Le caratteristiche fin qui descritte della suite di Locke possono esser
ancora valide, pur con le dovute sfumature o differenze, per il brano di
Vivaldi, nel quale emerge una componente ludico-virtuosistica derivata dalla
tradizione improvvisativa su bassi ostinati, e in quello di Hotteterre.
In quest’ultimo brano gioca un ruolo importante la concezione estetica
tipicamente francese per cui il discorso musicale può e deve essere
organizzato secondo le regole della retorica: da ciò ne consegue
un’articolazione delle frasi ancor più brevi rispetto a quelle del brano di
Vivaldi ma anche un rapporto tra le voci regolato da principi di eguaglianza
e indipendenza, tanto più evidenti nella fuga iniziale.
L'unica copia conosciuta della sonata in do minore di Detri è conservata
presso la biblioteca dell’Università di Rostock: la sonata, databile tra il
1727 ed il 1731, segue il modello formale di Corelli e richiede alte
competenze tecniche. Poco si sa del Sig. Detri. Forse potrebbe essere
identificato come Louis Detri, compositore e fagottista di origine francese
a servizio della corte di Wuttenberg.
Diverse sono le caratteristiche dei brani di Telemann e, ancor più, di
Sammartini: la linea del basso è assai più semplificata rispetto alle altre
composizioni e la funzione di sostegno sopravanza quella di dialogo con le
voci superiori che sono configurate con linee melodiche più lunghe e
articolate, con un potenziale espressivo affidato unicamente all’abilità, da
parte dell’esecutore, di evidenziarne l’affetto corrispondente.
Ciò detto, pur in estrema sintesi, evidenzia uno sviluppo della scrittura
musicale che dal barocco comunemente definito aureo conduce allo Stile
Galante: l’allargamento della base di fruizione, in special modo esecutori
non professionisti, ha comportato da una parte una semplificazione della
scrittura musicale e una più chiara identificazione dei ruoli (solistici e
accompagnamento), dall’altra una adesione espressiva più naturale e più
evidente agli affetti che la musica vuole dare.
Il tutto in una concezione per cui la musica riproduce la conversazione
salottiera, piacevole ed elegante, in ultima analisi galante: i limiti
espressivi del flauto a becco, superabili in parte solo grazie a notevoli
abilità tecnico-strumentali, sono dunque alla base del suo declino in un
contesto estetico che richiedeva maggiore capacità di esplicitare affetti e
sentimenti in musica con sfumature dinamiche più ampie rispetto a quelle
richieste nei decenni precedenti al periodo galante.
Giovedì 24 luglio - ore 21.15
Urbino
Chiesa di San Francesco
Maurizio Salerno organo
Bernardo Storace (1637? – 1707?)
Toccata e Canzon in sol
Balletto
Passagagli
Alessandro Scarlatti (1660 – 1725)
Follia
Domenico Scarlatti (1685 – 1757)
Sonata in re maggiore K287
Sonata in sol maggiore K328
Sonata in re maggiore K288
Bernardo Pasquini (1637 – 1710)
Tastata per Milone
Variazioni per il paggio Todesco
Georg Muffat (1653 – 1704)
Toccata I da Apparatus musico-organisticus
Johann Jakob Froberger (1616 – 1667)
Toccata V da sonarsi alla Levatione
Dietrich Buxtehude (1637 – 1707)
Praeludium in sol minore BuxWV 163
In occasione del recital cembalistico del 22 luglio abbiamo definito alcuni
aspetti generali relativi alla genesi e lo sviluppo delle principali
tendenze del repertorio tastieristico nonché della sua evoluzione nel corso
del periodo tardo rinascimentale e barocco.
Abbiamo accennato anche al fatto che la definizione netta tra la
destinazione cembalistica e quella organistica non è sempre possibile,
specialmente per le composizioni risalenti ai primi decenni del sec. XVII.
Proseguiamo dunque la breve analisi dei brani presentati in questo programma
per cercare di fornire alcune sintetiche chiavi di lettura che possano
indicare quegli aspetti che ne determinano con attendibile plausibilità la
corretta destinazione.
Come per la Toccata IX dal primo libro e, ancor più, per l’Aria detta La
Frescobalda di Girolamo Frescobaldi, i tre brani di Storace possono
certamente essere eseguiti con una certa indifferenza all’organo o al
cembalo.
Tuttavia Laura Alvini, nella sua prefazione all’edizione a stampa del
fac-simile della Selva di Varie Composizioni d’intavolatura per Cimbalo ed
Organo, fa notare che: “… Storace si rivela più vicino alla scuola
cembalo-organistica del nord che ai coevi compositori dell’area meridionale,
nei quali l’uso dei quattro righi (si riferisce all’intavolatura-partitura,
l’edizione a stampa della Selva è in due righi – nd FM) corrisponde ad una
maggiore fedeltà a tecniche di scrittura tradizionali. A questi ultimi lo
legano d’altra parte almeno una certa predilezione per gli intervalli
cromatici ed il conseguente modo un po’ eccentrico di porre le dissonanze.
Il non costante uso delle quattro voci, che sempre poi diventerà una
caratteristica idiomatica della letteratura clavicembalistica, indurrebbe a
non considerare casuale il fatto che nella dicitura presente sul
frontespizio della raccolta il Cimbalo sia anteposto all’Organo.”
Le variazioni sul tema della Follia di Alessandro Scarlatti fanno parte di
quel numero, relativamente basso, di composizioni per tastiere che
comprendono due cicli di toccate, dieci Partite sopra basso obbligato, una
Toccata d’intavolatura per Cembalo ò pure per organo d’ottava stesa oltre ad
alcune raccolte di toccate e fughe conservate in varie biblioteche italiane.
Diversamente dalla Toccata per studio di cembalo (1716) e di altre
pochissime composizioni esplicitamente dedicate a quello strumento, i brani
elencati possono essere eseguiti da entrambi gli strumenti senza snaturarne
affatto i caratteri.
Alcune delle oltre 550 sonate di Domenico Scarlatti furono all’origine
concepite per strumento solista con accompagnamento del basso continuo, allo
stesso modo l’esecuzione delle sonate che abbiano naturalmente
caratteristiche di scrittura appropriate possono essere certamente fatte
all’organo, come al clavicordo.
Quelle caratteristiche dipendono non solo da dati oggettivi della scrittura,
ad esempio un tessuto polifonico particolarmente evidente, il ricorso a
tecniche contrappuntistiche e una cantabilità di tipo lineare ma anche dalle
capacità esecutive dello stesso organista.
Ciò che si è detto riguardo le composizioni di Storace può essere valido
anche per quelle di Pasquini: con l’aggiunta che la gran parte delle
composizioni per tastiera hanno alcune specifiche di scrittura che
diverranno, di lì a poco, tipiche del repertorio cembalistico.
Le toccate di Pasquini, ad esempio, differiscono assai dal modello di
Frescobaldi in quanto le sezioni di carattere improvvisativo sono
estremamente ridotte; per contro i 18 cicli di variazioni che ci sono
pervenuti sono ricchi di soluzioni che fanno pensare ad una sorta di
trascrizione a posteriori di improvvisazioni.
Le ultime tre composizioni presenti nel programma sono invece
specificatamente organistiche, anche se, al solito, una loro esecuzione al
cembalo non è impossibile.
In particolare l’Apparatus musico-organisticus di Muffat raccoglie 12
toccate, due spettacolari cicli di variazioni rispettivamente su ciaccona e
passacaglia e la Nova Cyclopeias Harmonica che conclude in Summo Deo Gloria
la raccolta.
E’ possibile eseguire al cembalo la ciaccona e la passacaglia
dell’Apparatus, molto più difficile risulta suonare le toccate con uno
strumento che non sia l’organo, non solo a causa dell’uso del pedale ma
anche e soprattutto per la scrittura riccamente polifonica che esalta la
caratteristica fondamentale di uno strumento che consente di tenere i suoni
più a lungo di qualsiasi altro.
Il modello di Toccata di Froberger deriva da quello di Frescobaldi dei Fiori
Musicali e delle toccate centrali del II libro, mentre nel Preludio si
dispiega la straordinaria sapienza organistica di Buxtehude, la capacità di
strutturare in modo solo apparentemente caotico quegli elementi tipici della
tradizione organistica della Germania settentrionale: i mille trattamenti
possibili delle melodie corali, l’arte della rigorosa improvvisazione e il
dominio delle regole contrappuntistiche al servizio della forma più eccelsa,
la fuga.
Venerdì 25 luglio - ore 21.15
Urbino
Cortile d’onore di Palazzo Ducale
Mala Punica
Barbara Zanichelli soprano
Marketa Cukrova mezzosoprano
Gianluca Ferrarini, Raffaele Giordani tenori
Helena Zemanova, Thomas Baeté viella
Pablo Kornfeld echequier e organo
Felix Stricker tromba da tirarsi
Pedro Memelsdorff flauto e direzione
Napoli Gothique
Polifonia nella Napoli angioina, 1320-1400
Intr. Statuit ei Dominus testamentum pacis dal Liber Usualis
Anonimo
Kyrie (Barc971, 1r)
Philippe de Vitry (1291 – 1361)
Rex quem metrorum (Ivrea 115, 26v-27r)
Antonello da Caserta (sec. XIV – XV)
Or tolta pur me sey (Man, 70r), Più chiar che ‘l sol (Man, 68v-69r), Deh
vogliateme oldire (Man, 69r)
Anonimo
Sempre serva (Rei, 39v-40r)
Filippotto da Caserta (ca. 1350 - ca. 1435)
De ma dolour (ModA, 26v)
Antonello da Caserta
Amour ma le cuer mis (ModA, 32v-33r), Dame zentil (ModA, 38v)
Filippotto da Caserta
Par les bons Gedeon et Sanson (ModA, 31r)
Anonimo
Ochi piangete (Rei, 37v)
Anonimo
Ha fortune (Ch, 29v)
Anonimo
Par che la vita mia (Str, 141v)
Fonti:
Ox: Oxford, Bodleian Library, ms. Canonici Latin Patristic 229
Ivrea: Ivrea, Biblioteca Capitolare, ms. 115
Man: Lucca, Archivio di Stato, ms. 184; Perugia, Biblioteca Comunale
“Augusta”, ms. 3065
Rei: Paris, Bibliotheque Nationale, fonds nouv. acq. francais 6771
ModA: Modena, Biblioteca Estense, ms. α.M.5.24
Str: Strasbourg, Bibliotheque Municipale, ms. 222 C. 22
La morte di Federico II e il disastroso esito della battaglia di Benevento
del 1266, durante la quale restò ucciso Manfredi – figlio illegittimo di
Federico II di Svevia – segnarono il definitivo declino del potere
svevo-normanno e la premessa al lungo dominio della dinastia angioina sul
Regno di Sicilia e di Napoli.
Carlo D’Angiò, fratello di Luigi IX il Santo, fu incoronato re di Sicilia
nel gennaio del 1266 da papa Clemente IV, il francese Gui Folques: il primo
re angioino spostò la capitale del regno da Palermo a Napoli e sconfisse nei
pressi di Tagliacozzo l’ultimo rappresentante della dinastia sveva, il
giovanissimo Corradino.
Onde evitare possibili tentazioni di rivincita da parte dei ghibellini filo
svevi, Carlo, dopo aver catturato Corradino grazie al tradimento dei
Frangipane, provvide a farlo pubblicamente decapitare sulla piazza del
Mercato di Napoli il 29 novembre del 1268.
La sempre maggiore influenza della politica francese sui territori
dell’Italia meridionale raggiunse il suo punto di non ritorno circa quattro
decenni dopo: dopo il famoso episodio dello schiaffo di Anagni e la
successiva elezione di Betrand de Got al soglio pontificio con il nome di
Clemente V, questi, in pieno accordo con il re francese Filippo il Bello,
spostò la sede papale ad Avignone.
Roma restò dunque senza il suo vescovo, abbandonata e se stessa, in preda
alle lotte tra fazioni avverse che la impoverirono sotto tutti gli aspetti.
Napoli, al contrario, iniziò proprio in quegli anni a crescere sia dal punto
di vista demografico che economico e politico: lo splendore della Napoli
gotica iniziò con l’ascesa al trono di Roberto “il Savio”.
Incoronato re di Napoli e Sicilia dallo stesso Clemente V il 3 agosto 1310,
Roberto, come suggerisce il suo soprannome, governò con misura, equilibrio e
un raro senso di giustizia fino alla sua morte avvenuta il 20 gennaio 1343.
La corte di Napoli divenne uno dei poli di attrazione artistici e culturali
più prestigiosi d’Europa: l’influenza culturale francese accrebbe
ulteriormente, rispetto ai decenni precedenti, tuttavia il ruolo
determinante di re Roberto negli equilibri politici della prima metà del
sec. XIV e la rete di relazioni costruita con i centri dell’Italia
settentrionale contribuì a raccogliere apporti alla vita culturale ed
artistica della città di altissimo profilo e di diverse provenienze.
In questo senso basti pensare alle presenze di Boccaccio e Petrarca, per
quanto quest’ultimo segnalasse come allo sviluppo culturale ed economico
della città non corrispondesse una morigeratezza dei costumi, anzi arrivò a
definire Napoli una sentina di vizi pari a Babilonia.
Ciò nonostante Marchetto da Padova dedicò proprio a re Roberto il suo
Pomerium artis musicae mensuratae (1321-1326) e Philippe de Vitry compose il
mottetto Rex quem metrorum (O Canenda/Rex quem/Contratenor/Rex regum),
conservato nel Codice d’Ivrea, in onore del saggio re angioino.
Lo stretto legame della Napoli trecentesca con la cultura tardo gotica è
ancor più evidente se si pensa che uno dei suoi aspetti più qualificanti,
almeno sotto il profilo musicale, è costituito dalla funzione celebrativa
dei mottetti: il mottetto dedicato da de Vitry al re angioino, insieme a
quelli composti per altri importanti personaggi tra i quali l’ex cancelliere
di Filippo il Bello, papa Clemente VI, è uno dei primi esempi di quel
raffinato gioco di rappresentazione costruito attraverso una complessa
sovrapposizione di significati letterali e musicali che influenzerà la
cultura musicale in vaste zone dell’Italia settentrionale e meridionale nei
decenni successivi e che raggiungerà il suo apice con le composizioni di
Johannes Ciconia.
Dopo la morte di Roberto il Savio iniziò un lungo periodo di decadenza: alle
lotte tra i diversi rami angioini per il controllo del regno si aggiunsero
le epidemie di peste che, nel corso della seconda metà del sec. XIV, quasi
dimezzarono la popolazione della capitale.
La principale figura espressa in quel periodo dal territorio, nell’ambito
della cultura musicale, fu certamente Filippotto da Caserta: compositore e
teorico di primissimo piano che dimorò in Avignone, presso la corte papale,
intorno al 1370.
La sua ballata Par le bons Gedèon è un omaggio a Clemente VII, il primo dei
cosiddetti antipapi del grande Scisma d’occidente (1377-1417) e testimonia
l’adesione alle ragioni politiche francesi in quel tormentato periodo, oltre
ovviamente ai riferimenti culturali e musicali.
Di Filippotto ci sono pervenute altre cinque ballate in stile francese: De
ma dolour, En remirant vo douce, Il n’est nulzd’homs, Par le gran senz e En
attendant souffrir.
Quest’ultima fu scritta per Barnabò Visconti, lo zio e, al contempo, suocero
di Giangaleazzo.
Presso la corte pavese di Giangaleazzo Visconti si riuniranno i musicisti
dell’Ars Subtilior italiana, il raffinatissimo e complesso stile frutto
dell’unione tra la cultura musicale tardo gotica francese e la tendenza
drammatico-rappresentativa italiana.
I contributi teorici di Filippotto che ci sono pervenuti sono raccolti in
due trattati: il Tractatus de diversis figuris, nel quale è teorizzato l’uso
contemporaneo delle 4 prolazioni (questo testo è stato attribuito anche a
Egidius Murinus), e le Regule contrapuncti, suddiviso in sei distinti
argomenti.
Proprio quest’ultimo testo fornì le basi teoriche alle complesse soluzioni
adottate dai musicisti del’Ars Subtilior.
Altro rappresentante della cultura musicale del tardo medioevo campano fu
Antonello, anch’egli originario del casertano.
Di certo più giovane di Filippotto, quasi certamente partecipò al gruppo di
musicisti dell’Ars Subtilior le cui composizioni furono raccolte nel Codice
di Modena.
Antonello, insieme a Matteo da Perugia, Zachara da Teramo e ad altri,
partecipò alla straordinaria e per certi versi tragica avventura di quel
gruppo di musicisti che, dalle sale del Doulz Castel di Pavia, seguirono le
vicende di Pietro Filargo: eletto papa dal Concilio d Pisa del 1409 con il
nome di Alessandro V, rappresentò per un brevissimo periodo la speranza di
una soluzione definitiva e pacifica allo Scisma d’occidente.
Speranza presto frustrata dalla sua morte tanto improvvisa quanto sospetta,
a meno di un anno dalla sua elezione e senza aver avuto la possibilità di
entrare in Roma.
Una gran parte dei musicisti della cappella di papa Alessandro V, proprio
quei musicisti le cui composizioni sono raccolte nel Codice di Modena, ne
seguirono il successore, il napoletano Bartolomeo Cossa eletto papa con il
nome di Giovanni XXIII il 17 maggio 1410, tra gravi e attendibili sospetti
di simonia.
Il Cossa prese parte attiva nella lotta tra le due fazioni angioine rivali:
da una parte il nemico, il giovane re Ladislao del ramo dei Durazzo, e
dall’altro l’amico, il pretendente al trono napoletano Luigi II D’Angiò.
Giovanni XXIII, nonostante le ingenti risorse economiche, l’appoggio della
corona di Francia e del mondo finanziario fiorentino, perse la partita.
Luigi II fu infatti costretto a ritirarsi, quasi senza combattere, per poi
morire nel 1412.
Cossa fu invece costretto con la forza da Ladislao ad indire il concilio che
risulterà poi decisivo per le sorti dello Scisma, fissandone il giorno di
apertura per il primo novembre del 1414 a Costanza.
L’illusione di poter essere confermato come unico papa durò poco: Cossa
fuggì da Costanza travestito da stalliere; dopo una serie di rocambolesche
vicende fu ripreso e deposto.
Per molti, troppi, anni si è pensato che le musiche contenute nel codice di
Modena, insieme a quelle di altri codici manoscritti, fossero composizioni
esclusivamente teoriche, ineseguibili, comprese quelle di Antonello, a causa
della loro complicata scrittura e concezione e senza considerare il fatto
che quelle pagine avevano piuttosto l’aspetto di qualcosa ch’era stato assai
maneggiato non per studio ma per la diretta esecuzione.
Da qualche anno, grazie alla pazienza e abilità di alcuni musicisti (tra
questi Pedro Memelsdorff ha avuto un ruolo innegabilmente determinante) è
possibile ascoltare i suoni di quelle composizioni, frutto di una cultura
musicale straordinaria ma caratterizzata da una sola, tragica, colpa: aver
servito una causa persa.
Sabato 26 luglio - ore 21.15
Urbino
Palazzo Ducale, La Grande Cucina
Paul O’Dette liuto
Anonimo
I cannot keep my wife at home
Up Tails All
Robin is to the Greenewood Gone
John com Kisse mee Now
Daniel Bachelar (1572 – 1618)
Pavan & Galliard
Mounsieur’s Almaine
Anthony Holborne (? – 1602)
Fantasia
Il Nodo di Gordio
A Fairy Round
John Johnson (? – 1594)
Passingmeasures Galliard
A Pavan to Delight
A Galliard to Delight
Carman's Whistle
* * *
John Dowland (1563 – 1626)
A Fancy (Poulton n°5)
Sir John Langton his Pavin
The King of Denmark’s Galliard
A Fancy (Poulton n°6)
Farewell
Sir Henry Guilford, his Almaine
Pavan
Galliard
Mignarda
A Fancy
Strumenti: Liuto a otto ordini, copia da Vendelio Venere (1582) di Paul
Thomson, Bristol, 1991
“Arrivò anche la Regina, mi riconobbe e mi convocò. Mi parlò a lungo e mi
invitò a lasciare la mia barca per prendere posto nel Treasurer’s Barge*.
Poi la sua barca si affiancò alla mia e vidi che stava suonando il liuto.”
Barone Breuner (giugno 1559)
Talvolta è capitato che un gran numero di artisti di straordinario talento
nella medesima disciplina abbiano vissuto nello stesso luogo e nello stesso
breve periodo, fatto salvo che quel luogo potesse presto depauperarsi del
prestigio derivato dalla loro presenza o che gli stessi artisti potessero
trasferirsi in altri luoghi. Si pensi agli architetti e pittori del
Rinascimento italiano, ai compositori fiamminghi del sec. XV, ai poeti
inglesi del periodo elisabettiano e, per il sec. XVII, ai pittori olandesi e
ai liutai attivi a Cremona.
Il periodo compreso tra il 1580 e il 1620 è spesso denominato "L’età
dell’oro della musica per liuto”: circa 2000 brani per questo strumento
risalgono a quel periodo, più del doppio della somma tra brani vocali e per
strumenti a tastiere (virginali), molti dei quali sono dei più grandi
compositori del mondo! In un sonetto pubblicato nella seconda serie di
madrigali di Francis Pilkington (1624), William Webb descrisse la statura di
questi maestri inglesi come “... la straordinaria Eccellenza di Bird, Bull,
Dowland, Morley e del resto dei nostri rari Artisti, che ora affievolisce le
luci di altre terre ...”
Oltre ai lavori dei famosi maestri, una gran parte di questo repertorio, in
particolare variazioni, sopravvive senza attribuzione. Molti di questi
brani, tra cui Up Tails All, Robin is to the Greenwood gone and John com
Kisse me Now, sono chiaramente opera di compositori abili ed esperti,
tuttavia le fonti hanno trascurato di identificarli, in parte perché coloro
che trascrissero quelle musiche erano gli stessi autori, in parte perché ne
conoscevano così bene i compositori che non ritennero opportuno ricordarli a
se stessi trascrivendone il nome nel manoscritto. Sono le opere che possono
quindi essere attribuite solo al prolifico e sempre sfuggente Anonimo.
Il primo grande liutista inglese è stato John Johnson. Fu nominato "Liutista
Reale" nel 1579, e rimase presso la corte elisabettiana fino alla sua morte,
nel 1594. Quasi nulla si sa della sua vita, sia privata che professionale
nonché della sua formazione, ma la sua musica rivela una personalità
musicale immensamente inventiva con un approccio allo strumento
particolarmente brillante. A Paven to Delight è stato il suo brano più
popolare, presente in 36 diversi manoscritti in diverse versioni: oltre a
liuto solo anche duo di liuti, consort misti, clavicembalo o virginale e
cittern (strumento a corde pizzicate molto popolare tra il sec. XVI e XVII).
Molto probabilmente Johnson compose all’origine il brano per liuto solo,
mentre le altre versioni sono arrangiamenti dalla prima. Ci sono giunte due
versioni del Carman’s Whistle di Johnson, ciascuna con differenti
variazioni.
Mentre ciascuna versione è piena di interessanti variazioni, nessuna ha un
finale davvero degno del resto del brano. Infatti, dopo aver ascoltato 30
anni fa i brillanti abbellimenti al finale da parte di Julian Bream, mi è
difficile immaginare questo lavoro senza di essi e, dunque, li ho inclusi in
questa performance.
A lungo riconosciuto come uno dei migliori liutisti e compositori in lingua
inglese, fino a poco tempo fa quasi nulla si sapeva della vita e della
carriera di Daniel Bachelar. Grazie al lavoro instancabile di una
discendente, Anne Bachelar, ora sappiamo gli anni della sua nascita e di
morte e una serie di dettagli sulla sua carriera. Bachelar ha scritto brani
assai sofisticati per consort destinati alla casa di Sir Francis Walsingham:
pur avendo iniziato giovanissimo, Bachelar ha rapidamente messo a punto uno
stile dall’elevato carattere distintivo, innovando la tecnica del liuto.
La sua Mounsieur's Almaine è uno dei grandi tour de force del repertorio
liutistico, con un uso brillante del tremolo e degli arpeggi, marchio
distintivo del suo nuovo approccio all’ornamentazione.
Anthony Holborne è stato descritto in una fonte come un “Gentleman usher'”
presso la regina Elisabetta. Gran parte dei suoi popolari lavori a 5 parti
per ensemble sono stati spesso arrangiati per liuto, cittern, bandora e
consort misti, sia da Holborne che da entusiasti ammiratori della sua
musica. Molte delle sue opere per liuto, tuttavia, sembrano essere state
concepite come brani solistici, tra queste la raffinata Fantasia e Il Nodo
di Gordio.
Quest'ultimo lavoro è una serie di variazioni su un basso ostinato noto in
altre fonti come Tinternell o Short Almain.
Noto tra i suoi contemporanei come "l’Orfeo inglese", John Dowland è stato
il più celebrato liutista del tempo e uno dei più grandi compositori
inglesi. La sua musica è stata straordinariamente popolare in tutta Europa
ed ha avuto l’onore di essere pubblicata in un numero di città superiore a
quello vantato dal qualsiasi altro compositore del tempo. Nonostante questo
successo, Dowland ebbe diverse delusioni per il fatto di essere superato,
all’interno della corte inglese, in incarichi e, di conseguenza, in
considerazione e rango, da molti altri colleghi, ciò avvenne anche a causa
della sua conversione al cattolicesimo.
Il suo motto, “Semper Dowland semper dolens” rappresenta non solo il suo
stato d'animo, ma anche la sua personalità musicale. Allo stesso tempo, i
brani presentati in questo recital creano un’impressione di un musicista
multiforme. Le opere piene di dolore di Dowland sono giustamente famose ma
le sue composizioni vivaci - galliards, almaines e gighe - evidenziano un
senso dell’ umorismo e una vitalità difficilmente riscontrabile tra i suoi
contemporanei. Le sue opere spaziano dalle danze gioiose, alle intensamente
intime Pavans, alle virtuosistiche Galliards alle sofisticate Fantasie
contrappuntistiche.
La Pavan presente nel programma è un lavoro molto tardo, scritto nello stile
maturo di Dowland che utilizza quelle figure arpeggiate derivate
dall’esperienza di Daniel Bachelar. Farewell è una sorta di tour de force
contrappuntistico. Le misteriose linee cromatiche ascendenti e le dissonanze
sono state utilizzate da Thomas Weelkes nella sezione finale del suo
Madrigale Cease sorrows now, per l’intonazione del testo “I'll sing my faint
farewell”
Ironia della sorte, gli sforzi di Dowland e dei suoi contemporanei per
allargare i limiti tecnici del liuto può avere accelerato il declino dello
strumento. Nel XVII secolo i musicisti non professionisti, gli amatori,
lamentavano l'estrema difficoltà di suonare il liuto e sempre più rivolsero
la loro attenzione alla chitarra, che aveva un minor numero di corde e, dal
punto di vista tecnico, era meno esigente.
A soli 50 anni dopo la morte di Dowland, il liuto è stato considerato uno
“strumento trascurato e abusato”. Le parole di incoraggiamento che Thomas
Mace dedicò al liuto nel 1676 non potevano oggi essere più appropriate:
“Chear up, Brave Soul! And know that some Yet Living, who for Thee will take
such Care, (there are) That Thou shalt be Restor'd Thy former Glory, And be
Eterniz'd to Eternal Story.” (“Orsù, animo coraggioso! Sappiamo che alcuni
continueranno a vivere e che avranno cura e attenzione per te, affinché tu
possa tornare all’antica Gloria, essere eterno nell’eterna storia.")
Paul O’Dette
* Imbarcazione a fondo piatto adatta alla navigazione fluviale (ndt)
Domenica 27 luglio
Palazzo Ducale, Sala dei Convegni “Giardino d'Inverno”
GIORNATA DI STUDI SULLA MUSICA ANTICA
in occasione del 40° anniversario dei corsi di Urbino
coordinamento scientifico di Saverio Franchi
LA RICERCA, IL REPERTORIO, LA PRASSI ESECUTIVA
I sessione ore 10 – II sessione ore 16
Presiedono il prof. Umberto Eco e il prof. Francesco Luisi
Relatori
Prof. Umberto Eco
M° Rinaldo Alessandrini
Prof. Patrizio Barbieri
M° Daniel Brüggen
M° Claudia Caffagni
Prof. Ivano Cavallini
M° Andrea Damiani
Prof. Saverio Franchi
M° Diego Fratelli
Prof. Francesco Luisi
Prof. Renato Meucci
Prof. Arnaldo Morelli
M° Paolo Pandolfo
Prof. Giancarlo Rostirolla
Domenica 27 luglio - ore 21.15
Urbino
Cortile d’onore di Palazzo Ducale
Orchestra barocca FIMA
Stefano Montanari direttore
brani scelti da:
Antonio Vivaldi (1678 – 1741)
Juditha Triumphans, Sacrum militare oratorium, RV 644
Lunedì 28 luglio 2008, ore 21.15
Sant’Angelo in Vado
Chiesa di Santa Caterina d’Alessandria
Ensemble vocale e strumentale del Festival di Urbino
Giovanni Francesco Anerio (1567 – 1630)
Dialoghi concertati dal “Teatro Armonico”, Roma 1619
per voci, strumenti concertanti e basso continuo
Alessandro Quarta direttore
Maurizio Anerio, prima musico a Castel Sant’Angelo, poi al servizio della
cappella pontificia e presso San Luigi dei Francesi, ebbe tre figli
musicisti.
Bernardino, il primogenito, fu essenzialmente un rinomato suonatore di
cornetto; Felice e Giovanni Francesco furono invece celebri compositori,
entrambi rappresentarono il prosieguo della tradizione polifonica
palestriniana in un contesto generale di grandi mutamenti stilistici e
linguistici, ovvero l’affermarsi della scrittura monodica e dello stile
rappresentativo.
Il Teatro Armonico Spirituale di Giovanni Francesco Anerio rappresenta
proprio il tentativo di inserire elementi musicali derivati dallo stile
rappresentativo e monodico in una serie organica di composizioni che avevano
il dichiarato scopo di “tirare con un dolce inganno i peccatori alli santi
esercitii dell’Oratorio”.
La rinuncia alla scrittura severamente contrappuntistica di alcune sue
precedenti Messe – fra queste è da citare quella Burghesia – è dunque a
favore di una semplificazione della scrittura musicale, in modo tale che
potesse essere più facilmente ascoltata e compresa dai peccatori, e dunque
che gli stessi potessero più agevolmente essere condotti alli sancti
esercitii.
L’esperienza di Emilio de’ Cavalieri e della sua “Rappresentazione di Anima
et Corpo” è alla base di alcune soluzioni adottate da Giovanni Francesco
Anerio ma il suo percorso di integrazione tra le novità che si andavano
affermando nelle corti e nei palazzi in quegli anni e una concezione
musicale pur sempre attenta alle indicazioni della controriforma è molto
personale, così come è particolare l’interesse per la musica strumentale
pura, esemplificato non solo dalle parti concertate del Teatro Musicale, ma
anche dalle Gagliarde intavolate e dalla Simphonia per violino, cornetti,
tiorba liuto e organo.
Curricula dei musicisti
Daniël Brüggen
Daniël Brüggen è nato ad Haarlem, in Olanda, nel 1958. Ha iniziato a suonare
il flauto dolce all’età di sette anni, quando, come molti altri bambini
della sua età, per la prima volta ha ricevuto uno strumento.
Successivamente ha iniziato a studiare con Kees Boeke ed è quindi entrato al
Conservatorio Sweelinck di Amsterdam dove si è diplomato come solista nel
1983. Durante i suoi studi ha fondato, insieme ad altri tre compagni,
l’ensemble Amsterdam Loeki Stardust Quartet.
Con questo gruppo, dopo aver vinto, in maniera controversa e inaspettata il
Concorso di Musica Antica di Bruges, ha suonato in tutto il mondo e ha
effettuato numerose registrazioni per Decca, Channel Classics e NM Classics,
due delle quali hanno vinto il prestigioso Edison Award.
Daniël Brüggen è attualmente attivo come insegnante al Royal College of
Music di Londra e al Conservatorio Reale dell’Aia. Tiene masterclass sulla
musica d’insieme in Europa, USA, e Asia. Ha suonato con numerosi gruppi, tra
cui London Baroque, The Academy of Ancient Music e Camerata of the 18th
Century.
Lorenzo Cavasanti
Lorenzo Cavasanti, si è perfezionato in flauto dolce sotto la guida di F.
Brüggen, K. Boeke, P. Memelsdorff e M. Miessen diplomandosi inoltre in oboe
al Conservatorio N. Paganini di Genova con G.E.Cortese. Si è in seguito
dedicato allo studio del flauto traverso barocco seguendo i corsi di Brema
tenuti da B. Kuijken e basandosi inoltre su un approfondito studio della
trattatistica dell’epoca a riguardo.
Vanta un’attività concertistica di oltre 350 concerti in qualità di solista,
ospite dei maggiori festival nazionali ed internazionali tra i quali BBC
Proms di Londra, Musica e Poesia a San Maurizio di Milano, Festwochen der
Alten Musik di Innsbruck, Festival internazionale di Musica Antica di
Urbino, Festival Internacional de Musica Antiqua in Daroca (Spagna). Ha
inoltre suonato per famose istituzioni musicali quali la Cité de la Musique
di Parigi, La Scala di Milano, l’Accademia Filarmonica Romana, gli Amici
della Musica di Firenze, l’Ente Concerti di Pesaro, l’Accademia Filarmonica
di Verona, gli Amici della Musica di Vicenza, l’Accademia Filarmonica di
Messina, la GOG di Genova… Inoltre ha suonato, sempre come solista, alla
Royal Albert Hall di Londra, alla Konzerthaus di Vienna e al Concertgebouw
di Amsterdam.
Lorenzo Cavasanti è membro fondatore dei gruppi Tripla Concordia, Quadro
Janas e il quartetto italiano di flauti dolci Icarus; collabora inoltre
regolarmente con i complessi Le Musiche Nove, l’Accademia del Ricercare,
Europa Galante e Le Concert des Nations .
Dal 1990 è particolarmente impegnato nella produzione discografica: per tali
attività ha ricevuto particolari riconoscimenti e premi dalla critica
internazionale. L’incisione delle sonate per flauto di Mancini è stata
premiata dalla Fondazione Cini di Venezia mentre l’integrale delle
Triosonate di Telemann per Flauto, Oboe e basso continuo con Tripla
Concordia è stato premiato con il 5 di Diapason, 10 di Repertoire (Francia),
10 di Classic CD, Musica Eccezionale (Italia) e il Recomendado di CD compact
(Spagna). Attualmente è docente all’Istituto di Alta Cultura Conservatorio
di Musica Claudio Monteverdi di Bolzano.
Alessandro Commellato
Studia a Milano, diplomandosi con Carlo Vidusso e perfezionandosi con Franco
Gei, Pier Narciso Masi, Evgeny Malinin, Sergio Fiorentino. Ha vinto i
concorsi: Schubert di Dortmund, Cidad de Oporto, Rendano, Stresa. Si è
esibito come solista con l’Orchestra del Teatro alla Scala di Milano, Teatro
la Fenice di Venezia, Filarmonica di Praga, Orchestra della Radio di
Zagabria, Filarmonica di Bacau, Orchestra Verdi di Milano, I Pomeriggi
Musicali, Orchestra Sinfonica Toscanini, etc. Tournees in USA, Giappone,
Australia, Turchia, Libano, Marocco, Pakistan. Con Divertimento Ensemble
esegue musiche contemporanee a Salisburgo (Mozarteum), Madrid (Auditorium
Nacional), Milano (Musica del nostro tempo), Como (Autunno Musicale),
Biennale di Venezia, Palermo, etc. È stato invitato dal Teatro alla Scala
per la creazione di Cherì (F.Poulenc- R.Petit) e di Autour de Chopin
(replicato a Varsavia al Teatro Nazionale Wielky). Nel 2003 è solista in
Medea di Adriano Guarnieri al Teatro La Fenice di Venezia. Ha registrato per
la Rai: Kenst du das Land, Alma Brasileira (musiche di H. Villa Lobos),
Rossini. Si dedica contemporaneamente al fortepiano e al cembalo, esibendosi
in festival prestigiosi a Lausanne, Lugano, Verbier, Innsbruck, Bremen,
Bratislava, Aix en Provence, Moulhouse, Milano: Palazzo Marino, Musica nelle
Abbazie, Notturni in Villa Reale, Musica Rara; Firenze: Accademia del
Fortepiano; Genova: GOG; Palermo: Amici della Musica, Barga Festival;
Vercelli: Società del Quartetto. Dal 1990 è docente ai Corsi Internazionali
di Bobbio assieme a H.Deinzer, S.Palm, S.Azzolini, T.Wye. A Cremona
collabora con S. Accardo, B.Giuranna e R.Filippini. Ha inciso per ARK,
Ricordi, Amadeus (Quintetti di Hummel con Atalanta Fugiens e Rossini: Peches
de Veillesse, nel 2008). Insegna pianoforte principale al Conservatorio G.
Cantelli di Novara.
Stefano Demicheli
Nato a Torino nel 1975 è diplomato in organo e composizione organistica ed
in clavicembalo.
Ha iniziato a studiare clavicembalo all’età di tredici anni sotto la guida
di Ottavio Dantone proseguendo poi presso il Conservatorio della Svizzera
Italiana di Lugano dove ha conseguito il diploma dì perfezionamento. Fra i
suoi successivi insegnanti Emilia Fadini e Lars-Ulrik Mortensen.
Collabora regolarmente come solista e continuista con molti ensemble con
strumenti originali fra i quali Accademia Bizantina di Ravenna (Ottavio
Dantone), Il Giardino Armonico di Milano (Giovanni Antonini), Freiburger
Barockorchester, Concerto Köln, ensemble I Barocchisti di Lugano (Diego
Fasolis), ensemble Zefiro di Mantova (Alfredo Bernardini) e tiene
regolarmente recitals come partner di strumentisti e cantanti.
La sua attività concertistica lo porta ad esibirsi regolarmente nelle sale
da concerto e nei teatri più importanti di tutta Europa all’interno di
festival prestigiosi (fra cui Teatro La Scala di Milano, Festival van
Vlaanderen di Brugge, Fundacio La Caixa di Barcelona, Auditorio National di
Madrid, Oude Muziek di Utrecht, Rheingau Musik Festival, lnternationale
Musikfestwochen di Luzern, Musica e Poesia in San Maurizio di Milano, London
Festival of Baroque Music). Nell’anno 2000 e nell’ambito delle celebrazioni
bachiane è stato solista presso il Teatro La Scala di Milano.
Ha lavorato al fianco di rinomati solisti per concerti ed opere e
collaborato al fianco di importanti direttori (Riccardo Chailly, Corrado
Rovaris, Ottavio Dantone, Gottfried van der Goltz, Ivor Bolton, Giovanni
Antonini, Paul Goodwin, Renè Jacobs) e molte orchestre.
Ha registrato per molte case discografiche e per le principali emittenti
radiofoniche e televisive europee.
Dal luglio 2000 è fra i docenti del Corso Internazionale di Musica Antica di
Urbino (clavicembalo, basso continuo e musica da camera). Fra gli impegni
più recenti è stato l’assistente al cembalo di René Jacobs in molte
produzioni operistiche nei teatri più importanti d’Europa (fra gli altri:
Berlino-Deutsche Staatsoper Unter den Linden, Parigi-Thèatre des
Champs-Elysèes, Bruxelles-Thèatre Royal de La Monnaie).
Con Philippe Daverio inizia un’intensa collaborazione personale per un
progetto di commistione fra musica ed arte riscuotendo ovunque clamorosi
successi di pubblico e comparendo in televisione più volte nel corso della
trasmissione Passpartout da lui curata.
È fondatore e direttore dell’ensemble Dolce & Tempesta che riunisce alcuni
fra i più esperti musicisti italiani specializzati nell’esecuzione della
musica antica con strumenti originali, con il quale si esibisce in veste di
direttore in tutta Europa e registra in esclusiva per l’etichetta belga Fuga
Libera.
Luca Guglielmi
Nato a Torino nel 1977, ha intrapreso giovanissimo lo studio della musica
formandosi presso il Conservatorio e l’Ateneo della sua città.
Allievo di Ton Koopman e Patrizia Marisaldi per il Clavicembalo e di
Vittorio Bonotto per l’Organo, ha ricevuto nel 1997 la Menzione d’onore al
XII Concorso Internazionale di Bruges. È quindi attivo professionalmente dal
1993 come solista di clavicembalo, organo, clavicordo e fortepiano,
continuista e direttore d’ensemble.
All’età di vent’anni è stato invitato da Jordi Savall a far parte dei suoi
ensembles Hesperion XX (ora XXI), La Capella Reial de Catalunya e Le Concert
des Nations, suonando regolarmente in duo e in trio con Montserrat Figueras.
È membro stabile dell’Ensemble Zefiro di Alfredo Bernardini, dell’Ensemble
La Fenice di Jean Tubery, Ricercar Consort di Philippe Pierlot, Armonico
Tributo Austria di Lorenz Duftschmid e dell’Accademia Strumentale Italiana
di Alberto Rasi. Ha collaborato, fra gli altri, con solisti quali Bruno
Cocset, Gaetano Nasillo, Enrico Onofri, Ottavio Dantone, Rolf Lislevand, e
con ensembles quali Il Giardino Armonico di Giovanni Antonini, Freiburger
Barockorchester, Mahler Chamber Orchestra diretta da Daniel Harding, The
King’s Consort.
Appassionato didatta, è professore di clavicembalo e organo e musica da
camera ai Corsi di Urbino, Pamparato, San Feliu de Guixols (Catalunya) e
Barbaste (Francia), basando il suo insegnamento esclusivamente sugli antichi
trattati e le fonti storiche.
Nel 2005 ha fondato Concerto Madrigalesco, ensemble con strumenti originali
a organico variabile per l’esecuzione storicamente informata della musica
strumentale e vocale dal 1500 al 1800.
Ha effettuato più di quaranta incisioni, tra Cd e Dvd, da solo e in ensemble
per Decca, Teldec, Sony Classical, Alia Vox, Naïve, Stradivarius, Alpha,
cpo, Orf, MA Recordings, tutte assai lodate dalla critica specializzata.
Parallelamente, svolge un’intensa carriera come direttore d’orchestra,
direttore di coro, maestro concertatore e maestro sostituto. Diplomatosi in
Composizione con Alessandro Ruo Rui e in Musica Corale e Direzione di Coro
con Sergio Pasteris ha approfondito l’accompagnamento al pianoforte con Eros
Cassardo. Selezionato per il Corso Straordinario di Direzione d’Orchestra
tenuto da Carlo Maria Giulini presso la Scuola di Musica di Fiesole nel
1999, si è successivamente perfezionato con Gary Graden.
Assistente di Antoni Ros Marbà alla Real Philarmonia de Galicia e di Victor
Pablo Perez con l’Orquesta Sinfonica de Galicia, è stato ospite dei più
prestigiosi teatri d’opera e sale da concerto al mondo: New York-Carnegie
Hall, London-Wigmore Hall, Wien-Musikverein e Konzerthaus,
München-Herkulessaal, Madrid-Teatro Real, Barcelona-Liceu, Torino-Teatro
Regio, Napoli-Teatro San Carlo.
Partner di artisti quali Cecilia Bartoli, Sara Mingardo, Monica Groop,
Hillevi Martinpelto, Christoph Pregardién, Gabriele Cassone, Gianluca
Cascioli, Katia e Marielle Labéque, ha collaborato con registi come Gilbert
Deflò, Yannis Kokkos ed Emilio Sagi.
Ha debuttato come direttore a Torino nel 2001 con la Petite messe solennelle
di Rossini e a Bologna nel 2002 con il Requiem di Mozart eseguito nella
Basilica di Santa Maria dei Servi. Dal 2004 è docente di Orchestra presso i
Corsi di Barbaste (Francia), con particolare riferimento al repertorio
barocco e classico.
Compositore di notevole talento, ha al suo attivo diversi lavori per coro
misto a cappella, organico che predilige; sue composizioni sono state
eseguite in Italia e all’estero dal Torino Vocalensemble diretto da Carlo
Pavese, dal Coro Filarmonico Ruggero Maghini e dal St Jacobs Chamber Choir
diretto da Gary Graden.
Pedro Memelsdorff
MALA PUNICA
Fondato nel 1987 e diretto da Pedro Memelsdorff, l’ensemble è dedicato
interamente all’Ars nova europea, la grande polifonia tardo medievale che
fiorì nei secoli XIV e XV.
MALA PUNICA ha in attivo una ricchissima carriera di concerti, incisioni
radiofoniche e discografiche, che include otto CD tra i più premiati dalla
critica internazionale: Ars Subtilis Ytalica, D’Amor ragionando ed En
attendant (Arcana), Missa Cantilena, Hélas Avril e Sidus preclarum (Erato),
Narcisso speculando (armonia Mundi France) e Faventina (Naive). La serie ha
ottenuto più di trenta premi tra Diapason d’Or, Diapason d’Or dell’anno,
prix Choc Monde de la Musique, Amadeus, prix Caecilia Belgio, premio Vivaldi
Fondazione Giorgio Cini Venezia, Edison annual award Olanda, premio annuale
Studio Polonia, prix de Cannes, Classica, ecc.
Nelle parole di Jacques Merlet: “Ces jeunes nour dévoilent l’univers d’une
véritable orèvrerie musicale”.
Attualmente l’ensemble propone una nuova produzione, Napoli Gothique, e ha
in agenda delle tournées in Francia, Italia, Germania, Spagna, Lettonia,
Messico, Colombia e gli Stati Uniti.
PEDRO MEMELSDORFF
Direttore, flautista e ricercatore medievalista, è nato in Argentina e
risiede in Europa dal 1977. Diplomato presso la Schola Cantorum di Basilea e
lo Sweelinck Conservatorium di Amsterdam, è membro di Hesperion XX dal 1981
e collabora in duo con Andreas Staier dal 1984. È fondatore dell’ensemble
MALA PUNICA, specializzato nel repertorio arsnovistico. Concerti in Europa,
Nord e Sud-America, Israele, Giappone... e numerosissime incisioni
discografiche con diverse formazioni, tra cui una lunga serie di CD con MALA
PUNICA.
E’ attivo ricercatore medievalista e pubblica regolarmente nella stampa
specializzata (Studi Musicali, Acta Musicologica, Recercare, Plaisong and
Medieval Music). Attualmente prepara la nuova edizione facsimile del Codex
Faenza per LIM (Libreria Musicale Italiana).
Già borsista di Villa I Tatti, The Harvard University Center for Italian
Renaissance Studies di Firenze. E’ membro del comitato scientifico di LIM e
DIAMM (Digital Images Archive of Medieval Music).
È direttore dei Seminari di Musica Antica della Fondazione Giorgio Cini di
Venezia.
La sua attività didattica lo ha portato in numerosissime accademie europee e
americane. Cattedratico all’ESMUC di Barcellona dal 2001, sarà quest’anno
‘artist in residence’ nell’Università di Davis, California, nonché
‘lecturer’ invitato in diverse istituzioni europee e americane, tra cui le
università di Berkeley, North Carolina/Chapel Hill, Wellesley College,
Bergen, Dublino e Roma Tor Vergata.
Stefano Montanari
Diplomatosi in violino e pianoforte con il massimo dei voti e lode, ottiene
il Diploma di alto perfezionamento in Musica da camera con Pier Narciso Masi
presso l’Accademia Musicale di Firenze, e il Diploma di Solista con Carlo
Chiarappa presso il Conservatorio della Svizzera Italiana di Lugano. Il suo
interesse per la ricerca filologica lo porta a rivolgere la sua attenzione
allo studio della prassi esecutiva su strumenti originali. Dal 1995 è primo
violino concertatore dell’Accademia Bizantina di Ravenna diretta da Ottavio
Dantone. È primo violino del Quartetto J. Joachim, che si dedica
all’esecuzione su strumenti originali del repertorio quartettistico che va
dal ‘700 a tutto l’800. Collabora con i più importanti esponenti nel campo
della musica antica, ed in particolare con C. Rousset ed il suo gruppo Les
Talens Lyriques. Ha inciso per le case discografiche Foné, Frequenz, Denon,
Opus 111, Erato, Virgin, Tactus, Astrée, Thymallus, Simphonya, Bottega
Discantica, Decca, Naive e Arts (recentemente la sua incisione delle Sonate
Op.5 di A Corelli ha ottenuto il Diapason d’or in Francia e numerosi
riconoscimenti e premi internazionali). È stato docente di violino presso il
Conservatorio della Svizzera italiana di Lugano dal 1993 al 1999. È docente
di violino barocco presso l’Accademia Internazionale della Musica di Milano
e del Corso di II livello di violino barocco presso il Conservatorio B.
Maderna di Cesena e presso il Conservatorio Dall’Abaco di Verona. L’autunno
scorso si è esibito in veste di Direttore nelle Nozze di Figaro di W. A.
Mozart nella stagione lirica dell’Orchestra I pomeriggi musicali di Milano
in collaborazione con l’As.Li.Co.
Giuseppe Mulè
Giuseppe Mulè nasce da una famiglia di artisti, si diploma in violoncello a
S.Cecilia in giovane età perfezionando la propria esperienza con musicisti
quali: Franco Rossi, Mario Centurione, Dino Asciolla. Musicista eclettico ha
collaborato con Cecilia Bartoli, C.Oelze,S.Kermes, La Magnifica Comunita’,
E.Onofri. Attualmente con il gruppo Le Musiche Nove svolge un intensa
attività concertistica.
Gaetano Nasillo
Si è diplomato in violoncello al Conservatorio G. Verdi di Milano sotto la
guida di Rocco Filippini, del quale ha successivamente seguito i corsi
presso l’Accademia W. Stauffer di Cremona.
Dopo aver svolto attività concertistica nei più qualificati gruppi di musica
contemporanea e nelle principali orchestre milanesi, si è dedicato allo
studio della prassi esecutiva su strumenti originali affiancando al
violoncello lo studio della viola da gamba, perfezionandosi alla Schola
Cantorum Basiliensis sotto la guida di P. Pandolfo.
Collabora, spesso in veste solistica, con alcuni tra i più prestigiosi
complessi europei, tra cui l’Ensemble 415, Concerto Vocale (diretto da René
Jacobs), Zefiro, Le Concert des Nations (diretto da Jordi Savall), Ensemble
Aurora, gruppi con i quali effettua regolarmente concerti in Europa, Stati
Uniti, Sud America, Australia, Giappone.
La sua produzione discografica comprende al momento circa ottanta titoli,
molti dei quali premiati con i più importanti riconoscimenti discografici,
segnatamente il Diapason d’Or: A. Corelli, Concerti grossi op. VI, Ensemble
415, HM; Muffat, l’Armonico Tributo, Ensemble 415, HM; Monteverdi, l’Orfeo,
Ensemble Elyma K617; Conti, Cantate, Ars Antiqua Austria; A. Corelli, Sonate
per violino e basso continuo op. V, Enrico Gatti, Arcana. 10 di Repertoire e
Premio Vivaldi: A. Corelli op. V, trascrizione per viola da gamba,
Symphonia, A. Corelli, Sonate op. V per violino e basso continuo, E. Gatti,
Arcana; Choc de la musique: A. Corelli, Sonate op. V per violino e basso
continuo, E. Gatti, Arcana; Preis der Deutsche Schallplattenkritik:
Bonporti, Invenzioni op. X Harmonia Mundi; A di Amadeus: L. Boccherini,
sonate per violoncello, Symphonia; Schuster, Quartetti padovani, Symphonia;
J.S. Bach, offerta musicale, Arcana; Bonporti, Invenzioni op. X. La
produzione solistica comprende due volumi di sonate di Luigi Boccherini e
l’op. V di F. S. Geminiani, disco questo inserito dalla rivista francese
Diapason nei 30 dischi indispensabili per conoscere il violoncello. Dal 2004
ha cominciato una collaborazione con la casa francese Zig-Zag Territoires
registrando le sonate op. I per violoncello e b.c. di Salvatore Lanzetti
(vincitore del Premio del Disco Amadeus 2006 sez. musica antica) e i
concerti di N. Porpora, N. Fiorenza e L. Leo con l’Ensemble 415.
Ha registrato per Harmonia Mundi France, Zig-Zag Territoires, Teldec, Sony,
Arcana, Ricordi, K617, Ambroisie, Symphonia, Alpha, Christophorus, Nuova
Era, Bongiovanni, Stradivarius, Tactus, oltre che per tutte le principali
emittenti radiotelevisive mondiali.
Insegna violoncello barocco all’Accademia Internazionale della Musica (già
Civica Scuola di Musica di Milano) e presso il Conservatorio G. Cantelli di
Novara.
Tiene regolarmente corsi presso varie prestigiose associazioni tra cui
l’Ofìcina de musica de Curitiba (Brasile), il Festival internazionale
UNICAMP (Università di Campinas, Brasile), i corsi internazionali della
Fondazione Italiana per la Musica Antica di Urbino e di Daroca (Spagna ), la
Scuola di Musica di Fiesole, la Fondazione G. Cini di Venezia. Inoltre ha
tenuto il Master di Musica barocca (unico in Italia) presso l’Università
della Basilicata. Gaetano Nasillo è regolarmente invitato a far parte della
giuria del Premio Bonporti di Rovereto.
Suona un violoncello attribuito ad Antonio Ungarini, Fabriano ca. 1750.
Paul O’Dette
Pochi strumentisti giungono ad essere considerati un’autorità universalmente
riconosciuta così come è avvenuto con Paul O’Dette nel campo del liuto. È
stato descritto come il caso più evidente di genio che abbia mai suonato
questo strumento (Toronto Globe and Mail). Una delle figure più influenti
nel suo campo, O’Dette ha contribuito a definire gli standard tecnici e
stilistici cui gli esecutori di musica antica del ventunesimo secolo debbano
aspirare. Nel fare ciò, egli ha contribuito ad infondere nel movimento sulla
prassi esecutiva una perfetta combinazione di consapevolezza storica,
accuratezza nei differenti stili e un’appassionata personalità. Le sue
esecuzioni presso i principali festival internazionali quali quelli di
Londra, Parigi, Montpellier, Amsterdam, Utrecht, Bruges, Anversa, Berlino,
Monaco, Vienna, Innsbruck, Praga, Brema, Dresda, Milano, Firenze, Ginevra,
Madrid, Barcellona, Tenerife, Copenhagen, Oslo, Cordoba, San Pietroburgo,
Mosca, Boston, Los Angeles, Vancouver, Berkeley, Montevideo, Buenos Aires,
Melbourne, Tokyo, etc., sono state segnalate come i momenti salienti di
questi eventi. Nonostante sia più noto per i suoi recital e per le
registrazioni di musica virtuosistica per liuto, Paul O’Dette mantiene anche
un’attiva carriera nella musica d’insieme, collaborando con molti dei
principali solisti e gruppi di musica antica. È membro dell’acclamato gruppo
di basso continuo Tragicommedia.
Ha realizzato più di 120 registrazioni, molte delle quali sono state
nominate per il Record of the Year Award di Gramophone. The Bachelar’s
Delight: Lute Music of Daniel Bacheler è stato nominato per il Grammy lo
scorso anno come Best Solo Instrumental Recording. The Complete Lute Music
of John Dowland (un cofanetto di 5 CD per Harmonia Mundi), ha ricevuto il
prestigioso Diapason D’Or de l’année, mentre The Royal Lewters ha ricevuto
il Diapason D’Or, lo Choc du Monde de la Musique, una valutazione di cinque
stelle in BBC Music Magazine, una valutazione di cinque stelle in Goldberg e
un punteggio massimo di dieci da ClassicsToday.com. Si è esibito in
trasmissioni radiofoniche e televisive in tutto il mondo.
Più recentemente si è dedicato alla direzione di opere barocche. Nel 1997 ha
diretto insieme a Stephen Stubbs L’Orfeo di Luigi Rossi’s a Tanglewood, al
Boston Early Music Festival (BEMF) e al Drottningholm Court Theatre in
Svezia. Sin dal 1999 hanno collaborato nella direzione di Ercole Amante di
Cavalli al Boston Early Music Festival, Tanglewood, e all’Utrecht Early
Music Festival, La Stellidaura Vendicata di Provenzale alla Vadstena Academy
in Svezia, l’Orfeo e L’Incoronazione di Poppea di Monteverdi al Festival
Vancouver, Thesée di Lully, Ariadne di Conradi (Amburgo 1691), Boris
Goudenow di Mattheson e Psyché di Lully per il Boston Early Music Festival e
Tanglewood. La registrazione di Ariadne di Conradi è stata nominata per il
Grammy come migliore registrazione di opera nel 2006, mentre Thesée di Lully
è stata nominata per il Grammy di quest’anno. La registrazione di Psyché di
Lully sarà pubblicata a breve. E’ stato invitato come direttore ospite
presso numerose orchestre in Europa, America e Canada.
Oltre all’attività di esecutore Paul O’Dette è un avido ricercatore che ha
studiato approfonditamente la prassi esecutiva e le fonti della musica
italiana del XVI secolo nonché la canzone solistica inglese; i suoi studi
sulla pratica del basso continuo e la tecnica del liuto confluiranno in un
testo di prossima uscita realizzato insieme a Patrick O’Brien.
Ha pubblicato numerosi saggi su argomenti relativi alla prassi esecutiva
storica e ha partecipato alla realizzazione della voce ‘Dowland’ nel New
Grove Dictionary of Music and Musicians.
E’ professore di liuto e direttore del Dipartimento di Musica antica presso
la Eastman School of Music e direttore artistico del Boston Early Music
Festival.
Dorothee Oberlinger
E’ una delle più sorprendenti scoperte degli ultimi anni: grazie alle doti
musicali che coniugano il virtuosismo all’espressività, ha giustamente
ricevuto numerosi premi fin dalla più giovane età. Oggi è annoverata tra i
migliori flautisti del mondo. I suoi concerti sono accolti con eguale
entusiasmo dalla critica e dal pubblico, aggiudicandole un consenso unanime.
I suoi CD sono regolarmente lodati come le migliori nuove uscite sul
mercato.
Si è esibita in recital solistici in tutta Europa, in America e Giappone,
come ad esempio il Ludwigsburger Schlossfestspiele, il Musikfestspiele
Potsdam, le Settimane Musicale di Stresa, il Nederlandse Oude-Musik-Network,
il Festival de Musica Antigua Sajazarra, il Warsaw Beethoven Festival,
l’Europische Musikfestwoche Passau, il Rheingau-Musikfestival, il Tage der
Alten Musik Regensburg and la MDR-Musiksommer. Inoltre ha suonato alla
International House of Music di Mosca, la Wigmore Hall di Londra, la
National Philharmonie di Varsavia, la Marianischer Saal di Lucerna, il Rose
Theater di Fuji e la Philharmonie di Colonia.
È stata invitata come solista ospite presso i più importanti ensemble
barocchi, quali Academy of Ancient Music, London Baroque e Musica Antiqua
Köln, quest’ultimo diretto da Reinhard Goebel; inoltre suona regolarmente
con orchestre sinfoniche moderne quali la WDR-Rundfunk-Sinfonieorchester e
la Detmolder Kammerorchester.
Lavora molto intensamente con i gruppi italiani Quadro Janas e i Sonatori de
la Gioiosa Marca, con i quali ha dato molti concerti in tutta Europa. Il
loro CD dedicato ai concerti di Vivaldi ha ricevuto numerosi riconoscimenti
dalla critica internazionale.
Nel 2007 la Sony BMG/Deutsche Harmonia Mundi ha pubblicato la sua nuova
collezione di Sonate Italiane.
Dirige il suo gruppo, Ensemble 1700, formato nel 2003, con cui ha realizzato
diversi progetti riguardanti la musica del XVII e XVIII secolo.
Nel 2004 ha avuto l’incarico di professore presso il prestigioso Mozarteum
di Salisburgo.
Alessandro Quarta
Direttore e compositore, svolge attività concertistica con particolare
attenzione al repertorio vocale Rinascimentale e Barocco. Ha collaborato in
qualità di cantante con alcuni tra prestigiosi ensembles dediti al
repertorio preromantico (Gruppo Musica Insieme-Roma, Ensemble Barocco di
Firenze, Athestis Chorus-Este, Cantori di Lorenzo-Firenze, l’Homme
Armè-Firenze, Accademia degli Invaghiti-Mantova, Accademia S.Felice-Firenze,
Ensemble Oktoechos-Roma, Cappella Antiqua-Berna), e nel campo della musica
contemporanea con Germano Mazzocchetti (ruolo ne La ballata dell’amore
disonesto-2002) e Nicola Piovani (solista ne La cantata dei cent’anni-2006).
Dal 2001 ha regolarmente svolto attività concertistica come direttore
dell’ensemble vocale e strumentale Concerto Romano, del coro polifonico
Officina Musicae, del coro virile Schola di S. Vitale presentando
principalmente prime esecuzioni in tempi moderni di opere inedite dei secc.
XVI e XVII. (tra le quali gli Oratorii Daniele e Tobias, la Psalmodia
Vespertina e la Messa In die laetitiae di F.Foggia, gli Oratorii Abraham di
A.Antonelli e Mestissime Jesu di M.Marazzoli, La Conversione di S. Paolo, S.
Tommaso, il figliol prodigo di G. F. Anerio ed i dialoghi sacri dei Codici
Altempsiani); E’ direttore della Insigne Cappella Musicale del Pantheon, in
Roma e delle liturgie solenni Basilica di San Vitale e CC. MM. in Fovea, in
Roma.
Nel 2004 è stato direttore ospite del festival operistico Musica nel
Chiostro di Grosseto, dove ha diretto la prima italiana dell’Opera seria di
L. Gassmann.
Svolge attività di ricerca musicologica, incentrando l’attenzione sul
repertorio inedito della Scuola Romana dei secoli XVI e XVII. Ha pubblicato
una trascrizione dell’Oratorio Mestissime Jesu di M.Marazzoli per Analecta
Musicologica (DHI, Roma), ed è collaboratore dell’Istituto Bilbiografico
Musicale italiano.
Maurizio Salerno
Nato a Milano, si è diplomato in organo e composizione organistica presso il
Conservatorio della sua città e in clavicembalo presso i conservatori di
Lugano e Torino sotto la guida di Ottavio Dantone. Si è perfezionato presso
la Schola Cantorum di Basilea con Jean-Claude Zehnder e in seguito ha
studiato con Andrea Marcon. Come solista svolge un’intensa attività
concertistica in Italia e in Europa, ed ha inoltre tenuto concerti negli
Stati Uniti, Sud America, Russia e Australia. Insieme a Stefano Montanari
(violino) e Rodney Prada (viola da gamba) ha fondato l’ensemble
L’Estravagante, con il quale ha inciso l’integrale delle sonate per violino,
viola da gamba e clavicembalo di D. Buxtehude, pubblicate con Amadeus e in
corso di pubblicazione con Arts.
In duo con Edoardo Bellotti ha registrato un CD riguardante le opere per due
organi di Bach e Händel, pubblicato dall’Unicef, uno sulla versione
organistica delle Sette Ultime Parole di Cristo sulla Croce di J. Haydn ed
uno sui Musikalische Sterbens-Gedanken di J. Pachelbel, entrambi in
collaborazione con la rivista Amadeus, oltre alla registrazione delle Sonate
a due bassi di Bernardo Pasquini per La Bottega Discantica, con il primo CD
pubblicato nel dicembre 2004 e il secondo nell’agosto 2006.
E’ organista titolare della prestigiosa Basilica di Santa Maria della
Passione a Milano.
Insegna organo e composizione organistica presso il Conservatorio di Darfo -
Boario Terme.
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40 anni sulle antiche note:
Urbino Musica Antica dal 19 al 28 luglio 2008
Ritorna l’appuntamento con il prestigioso festival internazionale: concerti,
corsi di perfezionamento, una tavola rotonda presieduta da Umberto Eco e una
mostra di strumenti antichi nella bella cittadina marchigiana
Si inaugura il 19 luglio ‘Urbino Musica Antica’, il festival musicale
internazionale organizzato dalla FIMA (Fondazione Italiana per la Musica
Antica) nella splendida cornice della città marchigiana patrimonio
dell’Unesco e uno dei centri più belli e intatti del Rinascimento. Il
festival festeggia il suo quarantennale e coinvolge con le sue
manifestazioni tutta la città fino al 28 luglio: un atteso appuntamento, un
insostituibile punto di incontro e momento di confronto tra musicisti di
tutto il mondo. Urbino si immerge in un’atmosfera magica dove la musica è
protagonista assoluta: corsi, festival, una tavola rotonda presieduta da
Umberto Eco e una mostra di strumenti antichi saranno al centro di
un’intensa settimana che convoglierà centinaia di musicisti e appassionati
per frequentare le lezioni di canto, musica medievale, rinascimentale e
barocca e per seguire i concerti in programma.
Il festival si presenta con un ricco programma che va dal ‘300 al primo
romanticismo. I concerti si svolgono in ambienti unici e suggestivi come il
cortile d’onore del Palazzo Ducale, capolavoro dell’architetto dalmata
Luciano Laurana.
È organizzato con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività
Culturali, della Regione Marche della Provincia di Pesaro e Urbino, del
Centro Provinciale Promozione Beni Culturali, e della Commissione Nazionale
Italiana UNESCO e promosso dalla Città di Urbino - Assessorato Cultura e
Turismo. Il direttore artistico è Claudio Rufa.
Il festival
Il primo appuntamento è il 19 luglio con il Brüggen Consort, diretto da
Daniel Brüggen, che proporrà un programma di concerti per flauto dolce e
archi nel cortile d’onore del Palazzo Ducale con musiche di Goldberg, Bach e
Telemann. Il 21 luglio il violoncellista Gaetano Nasillo con Alessandro
Commellato al pianoforte eseguiranno un programma di sonate virtuosistiche
dell’800, da Beethoven a Rossini e Chopin. Si prosegue poi il 22 luglio con
il clavicembalista Luca Guglielmi, in un recital di musiche del ‘600 e del
‘700 di Byrd, Frescobaldi e Bull. Anche il concerto del 23 luglio è dedicato
al flauto dolce, lo strumento che sicuramente più di ogni altro ha reso i
corsi di Urbino famosi nel mondo e a cui in questa edizione se ne rende un
particolare omaggio: il gruppo formato da Lorenzo Cavasanti, Maurice Steger,
Dorothee Oberlinger flauti dolci, insieme all’organista Stefano Demicheli,
si esibirà in un multiforme programma che spazia tra il ‘600 e il ‘700 e
prevede musiche di Vivaldi, Telemann, Sammartini e Locke. Il 24 luglio
l’organista Maurizio Salerno terrà un concerto all’organo della chiesa di
San Francesco. Il 25 luglio tornerà l’ensemble Mala Punica diretto da Pedro
Memelsdorff, specializzato in preziose ricostruzioni della musica del ‘300 e
del ‘400: eseguirà il programma Napoli gothique, dedicato alla musica
praticata a Napoli al tempo degli angioini. Il 26 Luglio il liutista
americano Paul O’Dette, considerato uno dei maggiori virtuosi di questo
strumento, terrà un recital di musiche rinascimentali. Il 27 luglio
l’Orchestra FIMA diretta da Alfredo Bernardini concluderà il festival in
città con una selezione dalla ‘Juditha Triumphans’ di A. Vivaldi, uno degli
oratori più noti del ‘700 italiano che si distingue per la vivacità e la
varietà di combinazioni strumentali e vocali. L’ultimo appuntamento, il 28
luglio, è fuori città, a Sant’Angelo in Vado nella Chiesa di Santa Caterina
d’ Alessandria dove Alessandro Quarta, dirigerà l’ Ensemble vocale e
strumentale del Festival di Urbino su musiche di Giovanni Francesco Anerio.
Il prezzo dei biglietti è di € 12 e di € 10 per i giovani
La mostra
Accanto al festival e ai corsi viene presentata la mostra Strumenti della
Musica antica che avrà luogo dal 25 al 27 luglio nella Sala del Casellare di
Palazzo Ducale e andrà a completare lo splendido scenario della musica
d’arte in città. La mostra è nata nel 1993 per offrire ai costruttori di
strumenti storici una vetrina in cui mostrare il loro lavoro. Se da sempre
nell’immaginario collettivo Cremona è legata alla produzione di liuteria
classica, il nome di Urbino è legato al ritorno dell’interesse per lo studio
della musica antica in Italia. Da questo luogo negli anni Settanta sono
passati tutti i nomi più importanti del settore e se Franz Brüggen, Gustav
Leonhardt, Diana Poulton, Han Tol sono tra i veterani, Rinaldo Alessandrini,
Paolo Pandolfo, Andrea Damiani, Enrico Gatti, Alfredo Bernardini, Mara
Galassi e molti altri, rappresentano la nuova generazione di musicisti che
formatisi a Urbino, qui tornano nuovamente ogni anno per suonare e insegnare
a loro volta. Quale vetrina migliore quindi per chi costruisce gli
‘strumenti della musica antica’? La mostra è aperta a espositori di ogni
categoria strumentale, a case editrici e librerie specializzate nella
vendita di dischi e libri di musica antica, ai musicisti e agli appassionati
del settore, ma non solo. Questa può essere un’occasione per un piacevole
fine settimana anche per chi vuole conoscere un altro aspetto della liuteria
italiana. Sale del Castellare di Palazzo ducale ( venerdì 25 14.00 -20.00
Sabato 26 10.00 -18.00, domenica 27 10.00 -18.00 – INGRESSO LIBERO)
Umberto Eco e la musica antica oggi
In concomitanza con la mostra, il 27 luglio nella sala conferenze del
Palazzo Ducale, Umberto Eco presiede la giornata di studi dedicata al tema
“La musica antica oggi”. Lo scopo è quello di fare il punto della situazione
sia per quanto riguarda l'aspetto degli studi musicologici sia nel campo
della prassi esecutiva e sugli altri temi che durante questi 40 anni hanno
fatto da sfondo ai corsi di Urbino, coinvolgendo inoltre i visitatori della
mostra e i partecipanti ai corsi. Interverranno tra gli altri Rinaldo
Alessandrini (musicista e direttore), Arnaldo Morelli (musicologo),
Giancarlo Rostirolla (musicologo), Renato Meucci (organologo) e Peter
Reidemeister (ex direttore della "Schola Cantorum Basiliensis" di Basilea).
I corsi di specializzazione
Saranno oltre 300 gli allievi che prenderanno parte ai corsi di
specializzazione di Urbino. Questi incontri si svolgeranno al mattino con
lezioni individuali di canto o strumento e in laboratori pomeridiani di
musica da camera, orchestra e danza. Sono incentrati su lezioni teoriche
collettive e lezioni individuali allo strumento. L’obiettivo dei corsi è, ed
è sempre stato, quello di costituire un appuntamento per tutti i musicisti
italiani e stranieri appassionati degli strumenti antichi, volto a
perfezionare le tecniche di esecuzione ed interpretazione della musica
medievale, rinascimentale e barocca, grazie alla presenza tra i docenti dei
migliori specialisti in questo ambito.
Il progetto didattico si articola non solo nelle lezioni individuali
quotidiane, ma anche in una serie di attività collaterali culminanti nei
concerti pubblici, riservati agli allievi più meritevoli, ai quali sono
anche assegnate borse di studio su segnalazione dei docenti.
I corsi internazionali di musica antica saranno tenuti da Lieven Baert,
Barbara Sparti (danza rinascimentale); Alfredo Bernardini (Oboe barocco);
Lavinia Bertotti (Canto rinascimentale e barocco); Daniel Brüggen, Lorenzo
Cavasanti, Ludovica Scoppola, Gerd Lünenburger (Flauto dolce); Claudia
Caffagni, Livia Caffagni (Musica medievale); Paola Della Camera (Danza
popolare); Stefano Demicheli (Basso continuo); Piercarlo Fontemagi (Coro);
Diego Fratelli (Polifonia rinascimentale); Mara Galassi (Arpa rinascimentale
e barocca); Marcello Gatti (Flauto traverso); Gloria Giordano (Danza Barocca
francese); Luca Guglielmi (Clavicembalo); Stefano Montanari (Violino
barocco); Gaetano Nasillo (Violoncello barocco); Paul O'Dette (Liuto e
Tiorba); Paolo Pandolfo (Viola da gamba); Alessandro Quarta (Canto
madrigalistico); Mauro Squillante (Mandolino); Giovanni Togni (Fortepiano);
Claudio Tuzzi (Temperamenti storici).
Saranno inoltre attivati corsi di musica da camera e insiemi medievali
durante i quali verranno preparati i programmi musicali da eseguire per
‘Armonie al crepuscolo’, la rassegna di concerti eseguiti dagli allievi,
organizzati in angoli suggestivi di Urbino e che riscuotono sempre un grande
successo di pubblico.
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Urbino
Musica Antica
Conferenza stampa di presentazione del festival
Venerdì 4 luglio alle ore 11. 30, nella ex Sala Consiglio Comunale della
Residenza Municipale in Via Puccinotti, 3 di Urbino si svolgerà la
conferenza stampa di presentazione di Urbino Musica Antica, il Festival che
avrà luogo dal 19 al 28 luglio 2008. Interverranno Andrea Damiani,
Presidente della FIMA, Federazione Italiana Musica Antica e Lella Mazzoli,
Assessore alla Cultura e al Turismo del Comune di Urbino.
Il festival celebra quest’anno il suo quarantennale e coinvolge con le sue
manifestazioni tutta la città dal 19 al 28 luglio: un atteso appuntamento,
un insostituibile punto di incontro e momento di confronto tra musicisti di
tutto il mondo. Urbino si immerge in un’atmosfera magica dove la musica è
protagonista assoluta: corsi, festival, una tavola rotonda presieduta da
Umberto Eco e una mostra di strumenti antichi saranno al centro di
un’intensa settimana che convoglierà centinaia di musicisti e appassionati
per frequentare le lezioni di canto, musica medievale, rinascimentale e
barocca e per seguire i concerti in programma. Il festival si presenta con
un ricco programma che va dal ‘300 al primo romanticismo. I concerti si
svolgono in ambienti unici e suggestivi come il cortile d’onore del Palazzo
Ducale, capolavoro dell’architetto dalmata Luciano Laurana. |
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